第一篇：钢琴演奏八种基本技术和技巧

钢琴演奏八种基本技术

钢琴中共有八种基本技术问题：

1、均匀跑动技巧，这个指音阶式跑动和琶音式跑动，把二十四个自然大小调的音阶和琶音都弹得滚瓜烂熟，速度力度完全均匀。

2、初级手指独立技巧，指五指范围内平稳均匀的颤音。

3、一个八度范围内，非连续性的三、六度双音技巧。

4、八度技巧。包括抒情性的八度和技巧性的八度。八度技巧包含二十四个大小调的八度音阶和八度琶音，以及分解八度和八度震音。

5、有力的，深沉的，饱满的和弦技巧。人的一只手五指最多能奏出一个九和弦，当然双手齐用的话奏出十五和弦都没问题。

6、双音技巧。包括二十四个大小调的连奏三、六度音阶，双音半音阶。

7、复调技巧。要求一只手能清晰地演奏出两个以上声部的技巧。

8、特殊技巧。包括大跳，重复音，长颤音，双音颤音，双音刮奏，高难度手指独立等。

高抬指

钢琴演奏被称为“手指上的舞蹈”，其基本功包括很多内容和方面： 钢琴最重要的基本功，也可以说是“重中之重”是高抬指。所谓高抬指，就是在弹奏时尽量抬高手指的一种大幅度的关节运动。高抬指训练作为一种最基础的弹奏技巧，历来被钢琴师视为重中之重。如同武术高手一定要扎实的马步功底一样，一个职业琴手一定要有扎实的高抬指工夫，很多复杂的弹奏技巧均是建立在高抬指的基础之上的。我们进行高抬指训练的终极目的，就是要让习琴者的每个手指都学会如何在琴键上“正确地走路”。高抬指的正确与否直接影响到习琴历程中的每一步，因为姿势的正确性、肌肉的力量及各关节的协调一致性都建立在此基础之上。因此，把高抬指的训练比喻为婴儿学步，一点不为过。

高抬指的弹奏方法要求首先在琴键上摆好手型，做好击键前的准备动作。然后由指根部位高高地举起手指，手指的第一关节适度弯曲，以手指自身的力量向下击键。这样便完成了一次完整的高抬指的弹奏。高抬、下键、指力、强度、力度控制以及时间分配，是掌握高抬指弹奏技巧的几个关键，吃透了这些，则可谓得其要领，也就是等于掌握了高抬指。

正确的读谱

正确的读谱同样是基本功之一。乐曲是作曲家内心的感情的表现，也是为了让演奏者能了解作曲家的创造意图，因而在开始练习时就首先要读谱，用正确的方法读谱来提高视奏能力，我们在对五线谱不熟悉时，常把那几个音记在脑里，低头演奏不看谱，害怕弹错，如长期这样，眼睛就不能离开键盘，不但不会边看谱边弹，连最基本的识谱能力都没有，因此，就会觉得枯燥、吃力，所以，在练习过程中我们要学会看谱弹奏，养成看谱的习惯，而在弹奏中要看清谱号、调号、拍号，要记住指法，有关术语、音符、时值、表情记号等，养成边看边弹奏的好习惯。等到练习熟练、识谱能力、视奏能力都提高后才可以考虑背谱

正确触键

练习手指是钢琴演奏基本功的重要内容，练习基本功是弹奏钢琴的基础。十个手指的弹奏、力度、和各种的触键方式都是直接影响到钢琴演奏的重要环节，而对于手指的练习是为了更加独立、平稳、灵活、清楚自主的弹奏，比如《哈农钢琴练指法》它的每条练习都针对左右手不同的手指运动，独立、主动性更强，左右手都能够均衡的得到练习，使手指得到更好的锻炼，还有，什密特《钢琴手指练习》也是为手指练习所作，此外还有很多，但总的说来并不是你弹了多少，而是你是怎样去弹的，手指练习不像乐曲有好听的音乐来刺激你的听觉，而手指练习通常都比较枯燥无味，如不用心去弹，去体会，那手指的动作就会形成一种很机械的运动，这样是得不到任何效果的，因此，在做手指练习时思想要集中，要认真，要注意手指的变化，要保持手型的正确抬指，迅速下键有力，而下键后又马上将这一力量转移到下一手指上，同时还要注意节奏的变化练习，以及其他的变化练习来强化手指的练习。

音阶琶音

在钢琴演奏技术中，音阶也是一种基础，音阶的内容包括：大调，小调。而大，小调又分为自然大调，自然小调，和声，旋律小调，五声音阶，半音阶等，它的练习又可分为：同向、反向，从一个八度到四个八度，可于不同的节奏变化来练习，在练习中要注意手指下键后起键要快，每个手指要做好准备，集中力量，音阶讲求的是快速又均匀。除了手指要放松以外，更重要的是穿、跨指的准备。穿、跨指要求快，手指提前到位来做好准备。用手腕配合。穿、跨指后手指要马上返回，做好下一个准备的工作，而琶音的练习和音阶是同样重要的，琶音练习手的伸缩幅度比音阶大，它一般的包括大、小三和弦，属七和弦和其它三和弦，七和弦等转位的练习，而琶音又分为短琶音和长琶音，练习琶音要注意手指力量的转移，手腕的动作，而穿、跨指仍然的一个重点，在弹奏琶音时手臂不能来帮忙，跨度大的地方不能弹成断奏，要连贯，当刚开始练习琶音时可用短琶音来帮助练习。

和弦

在钢琴演奏中还有一个基本的训练，那就是和弦，和弦包括三和弦、七和弦，属七和弦等，和弦的练习有原位，转位的练习，有整和弦也有分解和弦，一般先弹奏三和弦，首先要坐正，身体要放松，手臂、肩都要放松，要注意力量的转移，要脚踏实地的来支撑你的整个身体，弹奏时身体要向前稍稍倾斜，而当手指在键盘上找好音后，要迅速的把力量从肩到大臂、小臂，再到手腕到手指最后力量都落在指尖上把力量送出去，声音要结实，不能虚、飘，在弹奏和弦时送力量出去这个过程要快、准，弹下去时指尖要站立好，而其他部位要放松。

难点

在我们学习钢琴时，有时会因为基本功的不牢固而导致弹奏某些曲目的部分地方有困难，而影响了全曲的完美，而这时有困难的地方应该怎么办呢?那就需要把这些难点的地方提出来练习，在开始弹奏时，就先读一遍谱，然后把难点的地方提出来练习，如果难点的地方是速度上不去，节奏不合拍，那就可能是手指不够灵活，左手跟不上右手或右手绊着左手，那就要先分手练习，练好后又再慢速的合手，直到两只手都弹均匀，弹清楚了，就可以加速来练习了，如果难点是双手位置不准确，老爱弹错音的话，比如琶音和大跳的和弦等，那可能就是因为转指、换指的不熟练，距离的位置感不强，距离感较差，那就要反复练习，关键就是转指、换指的缺口要反复练习，练习找到手指的位置，用手腕来配合转指、换指的位置、大跳和弦的位置，在反复弹奏的过程中使手形成一种条件反射，到什么位置该下什么手指，到什么距离该弹什么和弦、什么音等。

复调

钢琴之所以会被称为“乐器之王”，是因为它能演各种多声部的音乐，其中就有一种叫复调音乐，那我们弹奏复调作品需要具备哪些条件呢?首先要分清声部，要用耳朵来听辩，其次，是手指的弹奏能力，复调的学习已经成为我们学习钢琴必不可少的了，复调的形式是多种多样的，有二声部，有三声部，甚至四声部，而目前我们复调作品弹奏得最多的是巴赫的作品，从开始的《小前奏与赋格》到《二部、三部创意曲》再到《巴赫平均律集》这些都是复调音乐的一个体系，每个时期都有不同的作曲家写复调音乐，但是我们想要弹好复调作品也不是一件容易的事，那我们弹奏的时候就要注意，首先要读谱，先把谱例分析一下，找出它的主题，它的这个主题会在不同的地方和不同的调式上出现，那就要先把主题出现的地方搞清楚，然后分手把每个声部弹清楚，搞清楚是几个声部、指法、节奏、调号，分手弹要弹得声部清晰、明确、在复调作品中各个声部都是独立的，那就要求主题的地位是很重要的，主题在任何一个声部出现都应该使别人很清楚的听到，复调作品的每个声部都是一个很独立的声部，所以弹奏时每个声部都要做到清楚、明确，但是如果主题出现的声部没有弹奏得很清楚，而是让其他声部所盖过，那这首曲子的主题部分就被掩盖了，所以，在弹奏复调作品的时候要分清主次，其他声部不能盖过主题，主次要非常鲜明，要有对比，比如我们现在弹奏的较多的是巴赫的作品，那我产就必须了解巴赫生活的那个时代，创作作品的时代，巴赫是生活在17世纪末和18世纪上半叶的巴罗克后期，那时，他的复调作品都是在古钢琴上而作的，那我们现代人用现代的钢琴来演奏300多年前的作品就不得不考虑古钢琴的特点和那时的生活背景，那我们在弹奏巴赫的复调作品时就要弹奏得平稳些，音乐起伏性小，不要用踏板，跳音弹咸，非连音就可以了，不能弹得像其他作者比如贝多芬的作品那样的强壮、热情。

钢琴基本功2 扎实的基本功是弹奏任何一首钢琴作品坚实的后盾。而且我们在学习钢琴过程中，有很长一段时间都是在练基本功。在评论一个人的演奏时，也经常会谈到基本功扎不扎实，艺术表现如何等问题。同一首作品可以演奏出多种风格，这种风格是由个人对作品独到理解所决定的。扎实的基本功也非常重要，对音乐的领悟力与一个人在音乐方面的天赋有关，而基本功则是可以通过后天训练得以提高并加以巩固的。“台上一分钟，台下十年功”足以证明学习艺术门类的艰苦性和长期性，而钢琴的学习更是如此，有好的天赋，不勤学苦练，一首好乐曲是很难通过指尖表达出来的。在当今人才济济的年代，对于人才的衡量标准有了新的定义。

它包括：读谱准确，正确的弹奏方法，手指的能力。浅谈钢琴基本功

读谱准确是在弹奏时能正确地把谱面上音符的时值。各音符在键盘上的位置以及节奏对位等等，经过大脑的转换并通过手指准确地反映到键盘上来。读谱准确是弹奏钢琴最起码、最简单的条件，也是最易出错的基本功。要想有好的读谱能力就须在一开始学琴时多唱谱弹奏、慢练。在节奏较复杂，音程变化较大的情况下更应打节奏唱谱，熟练后再逐个到钢琴上演奏。其实我们在演奏时，读谱始终是基础，只是把用嘴唱省略掉了，而直接用眼和大脑反映到手上来。所以读谱试奏时，我们的眼睛和脑应该走在手的前面，不要等到弹到这个音时我们再去想谱面是什么样的。这时已经晚了。看谱时除了识别音位外还可以根据音程的大概关系确定音位、手位。

浅谈钢琴基本功

近些年，考级的琴童越来越多，但是为什么有的孩子没有错音，演奏也没断，可就是通不过呢?这时的主要问题是演奏方法，用什么方法演奏，是学习钢琴最为关键、最基本的问题。

一些人认为，弹琴就是动手指头，只要手指头能把音弹对了，弹响了，也就算会弹琴了。也不会去想状态是否好，弹奏出来的声音是否好听，这是很不好的习惯和很不全面的认识。其实弹琴也是一项手指带动手臂乃至全身心的运动，是需要掌握要领的。我们要通过不断的练习，掌握正确的弹奏方法。弹奏方法总结成一句话就是：总体的持续放松与局部的暂时紧张(指用力)相结合的方法。在弹奏过程中，手、臂、肩、背直至整个上半身，要始终保持放松、自然的状态，只有正在触键的手指关节、手指尖才需要用力。我们要让手保持一种状态：让指尖和手臂保持通畅，形成“两点一线”把力直接放到手指尖上，这一手指弹奏完后，立即放松，轮到另一个手指弹奏时，另一个手指的指关节在触键的瞬间用力。所以说弹奏可以简单地理解为手指紧张与放松交替、结合的过程。在全过程中放松是极其重要的，也是较难掌握的。浅谈钢琴基本功

弹奏法(断、连、跳)是弹奏技术(音阶、和弦、琶音)的基础，只有很好地全面地掌握了弹奏法，弹奏技术才能提高，弹奏的琴声才能优美动听，给人以艺术的感染力。错误的弹奏方法将使入误歧途，所以从一开始学琴就必须十分重视方法，然后就要进行严格的训练，提高学生的手指能力，打好基本功。

手指的能力是指在弹奏钢琴时每个手指是否有独立练功的能力，在具有独立性的基础上是否灵活和有力，在实际弹奏过程中就表现为所演奏的音符具有一定的清晰度，均匀度和流畅度。浅谈钢琴基本功

因此我们必须在学生掌握了正确的方法后，加强训练指根关节人手即掌握关节的主动性和灵活性。它包括断奏和连奏训练，特别是连奏，我们要明确地知道，连奏时每个手指要独立主动，绝不能在连奏中每弹一个音就压一次手腕，靠手腕的力量去压琴键而发出声音。而应把全臂的力量放到手指尖去，慢慢的练习，把每个掌关节动作先夸大地做出来，以求明确地感觉到这个动作的走向，手指也可以逐步加快下键速度，把声音更明亮地弹奏出来。浅谈钢琴基本功

在训练手指的独立性手指能力时，通常采用五指练习、音阶、《哈农》、《什密特》、《车尔尼599》等。弹奏这些时先要用慢速来练，一定要注意手指的快下放松。慢练过后，逐步加快基本练习或技术片段练习的速度，并且加大练习的强度，每一条练习曲要连续弹奏十次以上，对手指特别是掌关节进行强化训练，在掌关节能力提高以后，要逐渐缩小手指的动作，弹得越快手指的动作就要越精练越小。要知道，慢练时动作夸大，那就会使手指张牙舞爪，穷于应付也容易紧张，速度自然也会受到限制。所以我们必须把练习的动作和正式演奏区分开来，练习时为了打开指根关节，活动开手指，我们用慢速、夸大的动作做高抬指的练习，而正式弹奏时手指要用最精简、最节约的动作，以求达到最快。

在练习中同时需要注意均匀度的问题，有时在练习时，弹奏声音很不平均，有的硬，有的虚!轻重不一致，速度不均匀，这主要是由于手指缺乏独立控制能力所造成的，要解决这一问题，一定踏实慢练，让每个手指都能平均地得到锻炼，不能图快而养成很多毛病，“欲速则不达”。除了慢练，必须要“听”。用耳朵去检验，听声音是否均匀，速度是否平均，从慢练到快速，有毛病的地方要反复练习，反复听，直到均匀为止。我们的手指天生的独立性是不一样的，一般来说四指和五指比较弱，所以要加强对他们的训练，同时围绕着四、五指结合周围的手指单独练习，多花点时间，持之以恒，手指的能力肯定会均匀起来的。浅谈钢琴基本功

随着程度的加深，级别的提高，对弹奏中的流畅度要求也越来越高。流畅度是一个综合了多方面要求的问题，首先要求手指的独立和灵活。同时也要结合臂腕的协调和重量的调节，又牵涉到音乐的表情和感觉以及节奏的分组和律动。所以要做到流畅性需要做的是：首先要慢练，做到每个手指都能主动灵活，每个声音都很清晰而有弹性，再逐步加快速度练习。其次，手臂、手腕和手指要协调配合，手指积极在第一线的活动：臂和腕要灵活调节，保证手指在每一音的弹奏中都处于最良好和有利的位置。再次：要在练习时根据节奏上标明的表情倾向，以增加音与音的流动感。浅谈钢琴基本功

只有基础好了，楼房才能坚固，建立在沙漠上的房子是很容易倒塌的，只有基本功扎实了，手指灵活起来了，功夫才能有长进。俗话说“熟能生巧”，“巧”便是能力，有了这个能力便能心到手到，心到意到，得心应手，只有加强了手指训练，手指触觉才会敏感起来，并具有较强的控制能力。

基本功练习是学习钢琴必不可少的重要环节，也是最枯燥最需要耐力和时间的环节，所以在练习基本功时还应做到以下几个方面：

一、要静：在弹奏乐器时，我们要做到人、琴、谱合一，情绪要跟着音乐走动。但在基本功练习时，很大程度上可以说是一种意志力练习，只有把心沉下来，才能坚持不懈，才能去想、去听、去感受。浅谈钢琴基本功

二、多听多想：听声音、听音色、用心去辨别不同的演奏方法弹奏出来不同的音色，找到好的触键手感，将其运用到实际演奏中，就要用心去体会，认真对待每一小节，每一个节拍，甚至每个音符。浅谈钢琴基本功

三、练习力争兴趣性：手指基本功练习曲谱一般都比较单一有规律，弹起来容易乏味，如果我们在弹奏时，对节奏进行一点变化，即会有不同的效果，手指同样得到了练习。何乐而不为呢。《孩子们的哈农》就是这样一种教材。浅谈钢琴基本功

四、提高人才的整体素养：强化训练容易使学琴者产生知难而退的想法，更不用说自己去思考去创造了。所以学琴者应尽量的多方面接触生活和艺术，因为艺术是相通的。只有真正的喜欢上生活、喜欢上音乐、喜欢上钢琴，才能真正的去领悟、去思考，从而提高各方面的演奏水平，包括基本功。当他不再把基本功训练当成任务和包袱时，演奏也就成功了一半。

手指能力的技术，是钢琴技术中最根本最基础的技术，也是最常用和多用的技术，所以我们要打好学生钢琴演奏的基础，练好基本功，从而真正提高学生钢琴演奏的水平。

第二篇：浅谈钢琴演奏的基本技巧.doc

目 录

浅谈钢琴演奏的基本技巧

1、钢琴的声音原理与特点

2、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用

3、演奏技术中的创新性训练 3.1、科学性的重复性训练 3.2、提炼技术难点的训练

3.3、在演奏中运用歌唱性的技能训练 3.4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习

4、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有力保障

钢琴作为乐器之王，是音乐历史文化的重要象征。然而，这件乐器真正的伟大之处在于它为人类呼唤出了许许多多的制作师、作曲家和演奏家。制作师们把钢琴的性能和表现力发挥得淋漓尽致，而伟大的作曲家与演奏家们则将自己融入到这件具有广博包容精神的乐器中，以激情、心血甚至生命谱写和演绎了三百年的沧海桑田。三百年来，钢琴作品在演奏家想象力的驾驭下，创造出千百种丰富的音响世界。在浩如烟海的钢琴作品中，几乎留下了历代每一位作曲大师耕耘的足迹。在一部完整的乐器艺术史中，正是因为有了演奏家和作曲家如巴赫、莫扎特、贝多芬、李斯特、肖邦„„等演奏家与作曲家不断的努力和实践，才使大量优秀的钢琴作品得以流传，历代大师们的不同风格的高超演奏技艺和他们的风采，深深地打动着亿万人的心，从而更加确立了钢琴在乐器王国中的重要地位。直到今天，人们还在不断地探索钢琴的演奏之道;如何将音乐与钢琴演奏完美的结合，成为人们永恒的话题。随着社会的飞速发展与世界文化交流的日益增多，钢琴这件起源于欧洲的乐器己经在我国得到了广泛的传播与发展。钢琴进入中国不过百余年的历史，受到了广大中国人民的喜爱。新中国成立后，钢琴艺术的发展取得了辉煌的成就，涌现出许多优秀的钢琴演奏家与教育家，为我国的钢琴事业奠定了坚实的理论基础和丰富的实践经验。同时也涌现出许多世界闻名的钢琴大师，他们良好的艺术修养和音乐天赋，再加上精湛的演奏技巧，使他们的演奏艺术达到了世界一流水平，中国钢琴艺术从而得到了世界的赞许和认可。

一、钢琴的声音原理与特点

钢琴有它独特的音色美，有它的“自我”。首先,钢琴是唯一的可与整个交响乐相比拟,相对应,相抗衡的独奏乐器;其次,钢琴的音域囊括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域.钢琴可以发出类似交响乐队合奏时的雄浑,嘹亮,光辉,铿锵的音响;钢琴上能同时奏出十余音的合弦以及四五声部的复调.钢琴的种种特点,决定了它在乐器中的特殊地位.。

钢琴的声音特点可以归纳以下几点：

1、音色除乐器本身的结构与弦之外，首先取决于槌毡的质量及其裹制方法。黑尔姆霍尔茨证明，裹毡的发法对缒与弦的接触时间有关系。接触时间越长，下方泛音就越突出。下方泛音可使音色较柔和，而上方泛音使音色尖锐，刺耳。为了使音色柔和，钢琴技师必须使毡槌的设计达到槌与弦保持尽可能持久接触。这一点由于毡槌采用硬度不同的毡层裹制，做到了槌子的毡层越往外越软。这么一来就使毡槌在击弦时，用坚硬的核心把柔软的毡层挤向琴弦，然后才离开。

2、强度与毡槌速度成正比。毡槌敲击琴弦时一不手琴键的控制。因为断联之后，琴键与毡槌即失却联系。这时在站槌运动中唯一起作用的因素就是速度。

3、泛音的数量与速度成正比，（就是说，声音强度的变化在一定程度上与音色变化一致）。

4、在弹奏的一刹那，毡槌的速度决定与下键的速度，如果演奏者欲提高发音的强度，则必须给予下键更快的速度。

5、奏出的音越强，消失得越快，较弱的音则相反。

6、高上方泛音比低上方泛音消失得慢。就是说，声音拖得越长，其音色就越“纤细”。

从钢琴弹奏的原理上看，钢琴是键盘乐器，是通过琴槌击弦发出声音的，因此颗粒性声音是钢琴的特色和所长。弹跳音、弹连奏就特别能显示钢琴的优势。所谓“大珠小珠落玉盘”就是钢琴效果的精妙写照。要训练好手指，使其独立、主动、灵活；使弹奏的声音清晰、流畅、均匀。钢琴音域的宽广，音色的优美，表现力极其丰富，能演奏和声复调，能胜任重奏、独奏、以及与大型交响乐队进行协奏，并能用高难度的演奏技巧弹奏出高难度的曲目。

二、手指技巧在钢琴演奏中的重要作用

钢琴演奏是一门技巧性很强的学科，特别是手指技巧在其中起到了很重要的作用。“手指技巧是钢琴弹奏中最重要的领域，手指的工作不仅对手指本身的积极挥动有意义，而且对于把手臂的力量传递给琴键也有意义。”手指技巧是钢琴弹奏技能发展的基础。要想使钢琴演奏达到更高的水平，就要让手指能适应钢琴弹奏和掌握高超的钢琴技术，在纷繁复杂的各类技巧中灵活自如的表现。因此，要想成为一个优秀钢琴家，熟练、精湛的演奏技能是成功的前提，要能像电脑控制一般准确无误地演奏：飞如风、动如雷、飘如云、轻如烟。所以说，钢琴学习，透彻的技术知识和精湛的技能至关重要。

三、演奏技术中理智的、科学的创新性训练

对于演奏来说其中的技术困难是客观存在的，俗话说:“冰冻三尺非一日之寒。”这种能力的获得只能随着时间的发展而形成，尤其是“机

械性的练习”更是不可避免。但技术练习应该是一种引人入胜的、有创造性的学习。对于善于钻研的人来说，通过实践能掌握理智的、富有创造性的练习方法。从创造性的角度讲，那些基本练习比演奏一首作品更加重要而具有意义。著名钢琴教育家里赫特说:“我从不把技术训练与艺术创作分割开来，因为二者是相互联系的。”对于演奏者来说，各种专门的技术训练都是必不可少的。既要练习音阶、琶音、双音和弦等，又要练习艺术作品中的复杂的技术难点。因此，在练习过程中，运用理智而科学的创新方法掌握典型的、使用最广泛的结构和组合是很有必要的。

1、科学的重复性练习

在钢琴弹奏中采用重复练习的方法可以找到演奏作品中的关键技巧，巩固以往发现的重要因素提高手指的快速、灵敏度，使已有的技能得到进一步强化并提高其熟练程度。这种重复练习方法的前提是创新性的重复，而非拷贝式的模仿。如:《哈农手指练习》就可以采用多种方法，不同的节奏、不同的速度和不同的触键来弹奏;利用自己的领悟力和创造力使基本练习变得更加有效。如：《什密特钢琴手指练习》法，特别是双保持音练习，连续的、不出错的练习，提高演奏者的手指的控制力，掌握更高、更好的技巧。

2、提炼技术难点的练习

通过一定程度的演奏技巧训练使演奏者能够获得触键发音、声音变化、节奏把握上的驾驭能力，从而能随心所欲的表达出个人心中对于音乐的理解。不同的技术动作表达出的声音己经与一定的音乐内容相

结合:如演奏优美连绵的旋律需用柔和歌唱的声音，而幽默欢快的音乐特点则由短促而富于弹性的跳音来表现，音乐作品当中的分句与呼吸就由手腕的技术动作来承担。如斯卡拉蒂的作品是为古钢琴演奏的，风格古朴、轻巧、明亮，要求触键精巧而有弹性，节奏富有动力又准确。演奏者可以运用作品来进行技术和音乐相结合的训练，既掌握了古典风格又解决了手指弱、节奏不准确的技术难题。我们必须根据作曲家的不同风格、作品的不同内容来做这方面的训练。如莫扎特奏鸣曲中的跑句，它包含了丰富的音乐语言和节奏韵律，同时又体现了德国古典音乐的风格，明朗而典雅。

3、在演奏中运用歌唱性的技能练习

音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音，这声音或柔和，或抒情，或喜悦，或悲伤，或是具有一定的美感，人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中，这样的音乐就是赋予歌唱性的。要强化歌唱性，强化技术要服从音乐的理念。在演奏时发自内心的歌唱，能表达出演奏者最真挚的情感和全身心的投入，将音乐融入演奏者的呼吸中，最终达到完全自由地表达心中所理解的音乐;将钢琴作为身体的延伸，而不是需要征服的物体。由于音乐也是一种语言，演奏者要学会用音乐来“说话”，乐曲中的旋律就是构成音乐语言的重要组成部分。一首优美的乐曲之所以能够打动听众是因为它有抑扬顿挫的旋律和变化多端的节奏，.构成了声音之间的对比和时间延伸性的对比，.表现出丰富的音乐形象。乐曲的演奏如同诗歌朗诵须注意其“语气”的运用，它是音乐声音形

象的重要表现手段之一。

4、能达到“事半功倍”效果的慢速练习

俗话所得好:“欲速则不达”，这条适合于万物的真理在钢琴演奏技术练习中同样适用。“慢练”是指根据演奏作品的难易程度将演奏速度减慢豹一种练习方法，决不是演奏技术与艺术上的心理懈怠与情绪的散漫。通过“慢练”能够解决视奏作品的准确性与完整性，掌握旋音型的特点和指序的规律;使左右手声部的配合更加完美，真正达到声部层次的立体感。更重要的是能解决演奏中的技术难点，以熟练掌握演奏技术，慢速是快速的基础。循序渐进的慢速练习能使演奏者的内在感觉发生变化，从而进一步完善演奏技巧。如:车尔尼的《快速练习曲》(QP.299)，《手指灵巧的技术练习》(oP.74o)等。通过练习曲练习，将技巧与艺术表现融合在一起。

四、良好的心理因素是体现完美音乐技能的有利保障

良好的心理操作技能是乐技训练的重要组成部分。钢琴演奏中“心”的概念,包含着情与理两方面的内容.钢琴演奏的情感需要从心出发,一定要发自内心。同时,钢琴演奏的控制,布局,安排,却又必须用心去思考.演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的,不应该是虚假的,因此要用心去体察音乐,使内心的感受与音乐完全融为一体.只有做到这一点,演奏中的热情才会具有生命的价值.我们在演奏时,不能气浮,不能急躁.气浮容易忘谱,性急容易赶节奏,急躁容易出错,但一定要有热情,激情,唯有平静而不受干扰,又富有激情才能演奏出完美的乐章.结语：音乐是人类精神的表现，它与当时的文艺，社会和科学的动态，跟作者个人的经历和信念都有关系。任何艺术作品总是创作者情感的抒发，演奏者应该准确的分析各个作曲家的个性创作特点;使自己的演奏技巧符合创作者的风格。演奏者要能够通过钢琴把自身的情感直接表露出来，在演奏中注入内心的感受。只有深刻透彻的掌握钢琴艺术发展的历史，才能领悟各种音乐风格的创作特征和作曲家的思维方式;才能准确的反映音乐的本质。谈钢琴演奏中的基本弹奏方式

怎样才能学好钢琴基础技术?哪种演奏方法比较科学?这些是每一个学钢琴的人在学习过程中会遇到的问题。在我看来，钢琴的弹奏技术细分起来可以很多，但最基本的演奏技术可归为非连音奏法、连音奏法、跳音奏法三种。这三种基本弹奏技术不属于纯技术、纯方法，而是表现音乐和弹奏技术兼而有之的演奏方法。学习钢琴的人，首先应该从理论上理解这三种基础技术的含义。

一“非连音奏法、连音奏法、跳音奏法”的含义

非连音奏法(non legato)又称断奏，是指弹奏时，音与音之间不连接，触键后，手指的力量一般不保留在键底，音值弹足后，手指就立即离开琴键，抬起后，再去弹下一音的奏法。

1.非连音奏法是钢琴弹奏 中最简单、最自然、最基本的弹奏方法。它运用自然重量弹奏，音与音之间断开，不相连接。发出来 的声音结实饱满，清晰通透、富有颗粒性。

2.连音奏法(Legato)是指音与音之间相连贯，没有缝隙又不重叠的奏

法，简称连奏。第一音弹奏后要等第二音下键，发出音响后，方能离键。连奏是最常用、最重要的演奏法，同时也是最复杂多变的演奏技术。它是弹奏的核心，钢琴乐曲中的绝大部分都要运用连音弹奏。像说话一样，将旋律分成乐句，用一根横的圆弧线“一”把音符组成长句、短句，表达出乐曲的内容。

3。跳音奏法(Staccato)简称跳奏。它与非连音奏法中的断奏训练有相同之处，都要求音与音之间要断开。所不同的是跳音的每一音都有弹下去反弹起来的快速下键、快速离键动作。但是，学习钢琴不能停留于单纯的理解阶段，而是要在理解含义的基础上，掌握其基本动作及演奏方法。

二、如何掌握“连音奏法、跳音奏法"的基本动作及演奏方法(一)连音奏法

连音的动作视乐句的长短而定，每一句的第一个音要求手臂的重量 自然落到正在弹奏的手指指端。弹奏每一个音的时候，要使手臂放下的重量从一个手指转移到另一个手指上，不能断开(断开即成断奏)，直到重量移至乐句的最后一个音，发出音响后，手臂才可做”提起来”的动作，这个动作我们又可称为乐句与乐句之间的呼吸动作。钢琴家柯托介绍一种弹奏连音的方法 ：手指先行到达即将弹奏的键上，然后把手腕的重量运送过去。拉赫玛 尼诺 夫介绍另一种 弹法：把指尖到肘部当成一个整体，指尖受手腕和肘部 的引领，顺着旋律的走向划 出半 圆线，这样，由旋律的第一音至末一音的连贯就会十分完整，像一条弧线。

(二)跳音奏法

跳音奏法的手部动作可分为手腕跳音、手指跳音、手臂跳音三种。在弹奏手腕跳音的时候，掌关节向身体方 向收拢，然后快速击键，并在触到键之后立刻反弹起来，回到原先位置。手指跳音则在快速弹奏中运用，一般用在轻盈纤细 的片断中，运用时，使指尖向里轻勾，仿佛轻轻拭去键上一个小小的污点。手臂跳音是以肘部为支点，将整个前臂、肘、腕形成一个整体而跳动。手掌在触键的一瞬有个抓键似的动作，使发音更为集中。这方法适合于速度不快，音量较大的跳音。

综合而言，演奏跳音的技术动作要点是：

1．触键快、离键快、触键时间短处；

2．指尖特别牢靠；

3．指触面最小。

掌握上述三种基础技术在钢琴学习中是非常重要的。学琴者不仅要在初学阶段熟练掌握这三种基础技术，而且需要进行一系列的根本性练习加以强化，这样,钢琴技术才能得到进一步提高。

三、如何进行基础技术的常规训练

(一)非连音奏法的练习

非连音奏法练习前要学生将简单的旋律唱出来，形成音的概念，不让学生一开始就走入机械动作的误区，扼杀了音乐的旋律。训练可从单音开始，逐渐到双音，再至和弦。在练习过程中，还必须注意非连音奏法的记号，不同的记号表示各种“非 连音”不同程度的“片刻”。

在一条横线下加小点称为半断音即带一点连贯意味的断音；而在弧线下带点的记号称为半连音，即带一点断开意味的连音。这两种音都是介于跳音与连音之间的效果，弹奏方法也很相近，用水平状态把 手指 自下往上提起。所不同的是，半断音发音的起奏点是带有强音意味的。而半连音在一个连奏的乐句中，有时只是表示让某一些音略为分开而 已。音符上仅一横的记号，称为保持音(Tenuto)，它在键上逗留的时间是百分之一百，但又不与下一个音融合。它的弹法与前两者相似，微小的区别是，可以让手指在上升前更往键的底部做一小小的推动动作。

(二)连音奏法的练习

弹连音时，像唱歌一样，有小句，有大句，歌唱时是一口气唱一句，弹琴时是一个力量弹一句。初学连奏时必须将 自己所弹的乐曲唱一遍，看看有几句话，需要几个手臂的落、起动作来完成全曲的乐句，养成 良好的读谱习惯。由于是初学连奏，最好从两个音的连奏和三个音的连奏开始弹奏。两个音的连奏，第一个音与非连音奏法相同。弹奏前手臂要自然抬起，带动肘、腕、指尖对向键盘，然后手臂重量 自然落下，力沉到正在弹奏的手指指端(手腕必须放松)，弹第二个音时将第一个音的重量转移过去，待琴键发出声音后，再用手臂带动腕，将手指轻轻提起。三个音一组的连音弹奏与两个音相 同，只是第一个音下键后要将重量转移给第二个音，第二个音转移给第三个音发出音响后，方可做“提起来”的动作。如:布格缪勒的练习曲作品 100号<钢琴音阶25曲>第十首<娇嫩的花>和第十一首<鹊鸽鸟>

是很好的训练两音和三音，甚至多音的连奏练习。这些乐曲曲调优美或者活泼，音乐形象鲜明，能激发弹奏者兴趣，更好理解连奏的音乐表现，尽快掌握连奏的弹法。

(三)跳音奏法的练习

跳奏的记号是在音符符头的上方或下方有一圆点“·”或三角“1．r”为标志，离键反弹的速度根据跳音记号而定，如音符上标有圆点，只能弹原音符时值的 1／2时间；如音符上标有三角，只能弹原音符的 1／4时间，这种跳奏要求手指反弹离键速度更快更敏捷。如：布格缪勒练习曲作品 100号第九首 <行猎>。

显然，这些常规训练对于钢琴基础技术的掌握是很有帮助的。钢琴演奏艺术是一座丰富的宝藏，深不可测。学习钢琴弹奏好 比较造一座宏伟的大厦，需要打好基础技术。所 以，在钢琴入 门阶段，学琴者必须重视掌握一系列的基础技术如非连奏、连奏奏、跳奏。弹奏时肘部、前臂、腕、掌连成一个整体，抬起上臂，带动前臂，使整个手臂力量集中在指尖，沉落琴键。这种奏法用途很广，浪漫派以后的钢琴音乐用得更多。二是前臂断奏。不必抬起手臂，只须挥动肘部以下的部分即可。通常用来奏音量并不要求很强的片段，一般多用于巴洛克时期和古典时期的音乐作品。特别在 巴赫时代的乐谱中无须什么记号，演奏者们也几乎都会自动地把那些四分音符和八分音符奏成这种断音。非连音奏法的动作过程都包括手臂“掉下来”、“提起来”两个动作，具体要求是 ：

1．弹奏前肩、臂、腕放松，手自然呈半圆形置于腿 上。

2．手臂(大臂)自然向上抬，并带起肘、腕，手指指端朝下对 向键盘。

3．手臂松弛地垂落，将需要弹奏的手指落到琴键上，手指牢牢地站立，指第一关节要稳固，手型保持，有力地支撑住肩、臂传下来的全部重量。

4．提起来时，有两种弹奏法。一种是大臂带小臂并带动手腕 自然放松地提起。另一种是 由手腕带动，将整个手臂提起。两种方法提起时都要求手指呈自然放松的弯曲状。提起来，既是前一个音弹完后的休息，又为弹后一音做好下力的准备。

第三篇：钢琴演奏技巧简

钢琴演奏技巧简

一,高抬指的问题。很多老师都很热衷于高抬指，实际上高抬指只是一种过程，特别对于初学者，但是如果把它作为一种目标那就很有问题了。我有几个从别的老师那里转过来的学生，他们运用高抬指所产生的音响效果几乎令我发疯！一个个的象爆豆子一样，似乎跟钢琴在搏斗似的，毫无Legato可言，更别说美感。之所以有这个问题，是因为很多人以为弹钢琴就是*手指拼命击打琴键，实际上这是一种很错误的认为。可能这在古钢琴时代是可行的，或许那时的很多钢琴家也是这么弹的，但现在不行了。弹钢琴的最主要的力量来源是手臂的重量，当然除了手臂重量有时候还需要上身力量的补充，也有的时候只用手指本身的肌肉力量。说白了弹琴不应该是“弹”而应该是“按”，就是让手指支撑住手臂的重量（当然会有轻重的变化），然后让重心在各个手指上不断转移。这样获得的音色厚实而柔和，而且能弹出Legato的效果。我们一开始让初学者学习掉手臂就是为了让他们学会用手指支持手臂，用手臂的自然力量来演奏。

二，落提的问题。其实落提的问题就是重心转移的问题，就是利用手臂的帮助动作使重心在手指上顺利转移。这是这是非常重要的一个课题，在小汤第三册或大汤第一册就已经出现这个课题了，可惜很多老师自己没有理解或者没有重视这个问题。正确的落提是弹出优美分句的必要前提。我通常以打水漂或者朗读、歌唱来启发学生。就像打水漂，一个力量甩出去，能打出好多个水漂。或者像朗读、歌唱，一口气读（唱）好几个字（音）。我个人认为用朗读或歌唱来做比方会更好些，因为钢琴就像朗读或唱歌，也是一句句的，也有标点符号，这样对学生养成以句为单位的演奏是有好处的。但是要注意，有时候刚好一句是一个落提，有时候却一句有好几个落提，甚至有时候有音断意不断的现象（就是中间有休止，却是一个落提）。

三，指尖的坚强和积极。要让学生学会放松固然很重要，但有时候学生会走另一个极端就是懈怠，整个状态懒洋洋的。所以必须提示他们弹琴应该是一个积极的状态，就象立正，不能紧张也不能完全放松。特别表现在手指尖上就更应如此。手指尖应该足够强大，足以支撑住手臂的重量，要觉得指尖热力四射的感觉。我这里特别分享一点，手指尖应该有一种“抓住”琴键的感觉。当然不是真的抓住，而是那种感觉，这样能使手指和琴键建立起一种更为紧密的关系，而我们通常的弹奏就好像手指和琴键没有任何关系似的，只是敲下去就了事了。如果能建立一种“抓”的感觉，那么就会找到控制琴键的感觉，从而反过来也会带动整个的表现情绪。

交流几个技术问题

（二）一，手型问题。这是初学者最关注的问题，其实当你达到一定程度以后就不要再拘泥于手型，而且也不可能有一成不变的手型，手型总是随着音型在变化的。而且对于不同的学习者各人的手指状况不一样，也不可能有统一的手型。总之放松自然能支撑手臂的手型就是好的。对初学者提供一些具体标准------

1、用指尖弹奏，指尖支撑住手臂重量。

2、手掌在用手指尖演奏的前提下，尽量自然舒展（切不可缩着手弹，如果真的握着鸡蛋，手就会缩起来，建议用皮球或苹果，这样会好些，因为鸡蛋太小）

3、手腕平，使臂上的力量能畅通的传递到指尖上，手腕低会阻断这种传递，致使手指没有重量可支撑，（初学者）手腕太高会影响手指的活动能力（直接影响抬指）。

4、手掌在键盘上的位置是正的，也就是手指生长的方向和琴键应该平行，手指触键的方向应该和琴键表面垂直或接近垂直。当然演奏过程中会有所变化，但至少放下去的时候应该保持这种形状。（这一点会经常被忽略）

5、肘部稍往外荡，不要夹住身体，这点可从手背上看出来。肘部太夹或太往外，整个手背面就会歪。

6、坐姿也顺便提一提。坐于琴凳一半处，两脚放于钢琴左右踏板旁，双脚也要支撑一部分身体重量。

二、断奏。断奏从演奏方法上可以分为手指断奏、手腕断奏和前臂断奏。手指断奏用于单音的断奏，就是基本上以手指自身的肌肉力量弹奏，象鸡啄米一样。手腕断奏一般用于比较轻巧的双音、和弦或八度，就象用手腕拍皮球的动作。前臂断奏用于较强大的和弦或八度（非断奏的快速强和弦和八度也是用这种方法，慢速和弦或八度，则用把手臂放下去的方法弹奏，即抬起前臂和手腕，手指自然下垂，离键较近或贴键，然后舒缓而厚实的放下去），此时手腕相当坚强，不能放松，*前臂的动作完成弹奏。弹奏的方向应该像在搓衣板上搓衣服那样向前下方，而不是垂直上下，这个动作感觉似乎是以肘部为支点，否则不能做到快速。

三、关于练习。很多快速的曲子，必须要慢练，但是要以“快速的动作”慢练。也就是每个动作例如跨指穿指缩指等等都要做得很迅速，只是音和音之间的距离拉开。每个音应该有预前性，就是提前准备，还在谈这个音的时候已经准备好下一个音的姿势了，或者手指已经准备在那个音上了，否则往往会造成不连贯，不均匀。容易错的部分单独多练。别的也没什么了。还有一点就是，在弹音阶或者一长串的琶音的时候，经常大拇指的声音会很突兀，那么大指在触键的时候要有所收敛，首先要在心理上感觉到这是一个大的落提，是一个完整的均匀的句子，不要把它分得七零八落。

四、关于手腕。忽然又想到这一点挺重要，因为问题最多。手腕要基本保持平稳，这已经是老生常谈的课题了。但是学生还是经常会用手腕弹奏，就是手指不离开琴键或离键较近，而通过手腕的主动的上下动作来压键。这应该是一种最不好的习惯了，对今后的发展真的影响很大。所以一定要注意这种坏习惯。但是在弹断奏的时候有一种是*手腕弹的，应该分清楚这两种的区别：手腕断奏其实手腕并不动，只是放松，并且促使整个手掌上下动作，手指离键；而这种坏习惯是手腕主动上下波动。另外有一点也要分清楚，手腕不可上下动作，但是应该要做左右的转动，特别是在大跨度的穿指或跨指的时候，一定要借助手腕的左右动作，手腕的作用就象汽车的方向盘一样。

交流几个技术问题三

一、高抬指---------对这个问题的讨论已经汗牛充栋，而且对于高抬指只是手段而非目的这一点，相信很多人已经取得一致意见。那么我在这里就只讨论几点有关于高抬指练习中的问题。初学者最好由高抬指介入，这样对手指的灵活和触键的干净都是很有好处的。但是抬指切忌很紧张的抬得老高，应该在尽量不紧张的基础上抬高。手指抬起后，很多老师要求用力往下击键，这一点我也觉得不妥，这样的结果一定会使声音很“砸”，就像敲琴一样。我认为应该要求学生快速自然地落指，而不要过多强调用力。另外对于弹完后的手指迅速抬离，这一点常常被忽视，我觉得这一点对以后的动作敏捷声音干净至关重要。

二、手腕的动作----------手腕的动作基本上都是被动的，除了手腕断奏和某些轻巧连续的八度或和弦。用手腕弹奏时，就像是在拍一个皮球，要充分运用琴键的反弹力，这样声音干净而且手腕轻松。这一点可以借鉴篮球运动员。优秀的篮球运动员控制篮球的时候，球好像贴在他们的掌心里一样，因为他们很好的利用了球的反弹力，而对于外行那就只能是“击打”皮球了。手腕断奏的时候也一定要利用琴键的反弹力，这样既轻松声音也优美。

三、慢练----------慢练是养成一切重要技巧的基础。但是并不是每一种慢练的方法都是同样有效果的。慢练的时候触键的动作不能慢下来，同时每一个落提动作不能因为速度变慢而忽略或者分得七零八落，特别是当一个长的乐句恰好是一个落提的时候。这样的话当乐曲恢复原速时才不会感觉“完全变样”。很多时候我们在慢速弹的时候弹得很好，一提速马上就完全没感觉了，很大程度上是由于这个原因。四、八度的演奏------------一般来说八度的演奏可以分为三种：手腕弹奏、前臂弹奏、手腕和手臂协同弹奏。对于轻巧而快速的八度一般用手腕弹奏，就像拍皮球一样。对于很强大而快速的八度必须用前臂弹奏，手腕坚固，弹奏的方向就像在搓衣板上搓衣服一样，是往前下方的，而非直线的上下运动，否则是弹不快的。对于慢速的八度不管强还是弱一般是手腕和整个手臂协同完成的。和弦的一些弹奏方法也可以参照八度的方法。

五、断奏-----------断奏一般分手指断奏，手腕断奏和前臂断奏。手指断一般用于单音而轻巧的断奏，手指像啄木鸟般的敏捷动作。手腕断奏用于轻巧的八度或和弦，象拍皮球一样。前臂断奏用于比较强的声音。

六、同音反复---------同音反复应该用一种勾的方法演奏，就是手指往手心方向勾进来的同时触键，（似乎弹吉他里面有这种指法吧，叫轮指法。不知道是不是，有点记不清楚了。当然琵琶演奏里也有，只是方向刚好倒过来了）当然勾进来的手指要及时回出去，以便下一次的弹奏。如果用手指往旁边移的方法来演奏同音反复是弹不好的。

七、特别注意两个常用术语-----------Simile同前的意思，很多时候用来指踏板记号，也就是和前面一样的意思；Sempre一直的意思，例如Sepre legato 一直连奏，Sempre stacato一直断奏。这两个术语是很容易被忽视的。

钢琴的演奏技巧.关 键 字:演奏技巧.钢琴,被人们称作“乐器之王”,“音乐王冠上的明珠”.首先,钢琴是唯一 的可与整个交响乐相比拟,相对应,相抗衡的独奏乐器;其次,钢琴的音域囊

括了交响乐团由最低音区到最高音区间全部音域.钢琴可以发出类似交响乐队 合奏时的雄浑,嘹亮,光辉,铿锵的音响;钢琴上能同时奏出十余音的合弦以 及四五声部的复调.钢琴的种种特点,决定了它在乐器中的特殊地位.300年来,钢琴艺术有着令人难以置信的飞速发展,至少在三个方面达到空 前的丰富与完善的境地:浩如烟海的作品,群星璀灿的演奏,科学严密的教学.以致当今人们想在其中任何一个方面增添哪怕一丁点儿真正新鲜的东西,都成 为难上加难.钢琴演奏技巧的发展与音乐风格的发展有着密切的联系.在拨弦古钢琴时 期,由于乐器结构与发声原理均不需要也不可能承受太大的重量,演奏方法则 以手指动作为主.18世纪末19世纪初,拨弦古钢琴逐渐被击弦现代钢琴所完全 代替.随着钢琴结构的改进,音量的增强和音域的扩大,钢琴演奏技术也由以 手指为主的音阶,琶音发展到双音,八度和弦,大跳等等多样的,复杂的演奏 技术,要求钢琴演奏的发力部位从指尖开始,成为包括腕,肘,臂,腰,脚在 内直到全身整体运动的综合.在研究钢琴演奏技术的时候,不得不先将身体各 部分在演奏状态中的功能,作用,特性,技术要则分别加以探讨.但在真正演 奏时,全身是整体,各部分之间是不可分割的.我们可将钢琴演奏的技术性问题分为:指,腕(小臂),大臂,身,耳,心.现在我们就将这6层加以具体讨论学习.一, 指 2 十指是演奏最前哨最直接最敏感的部位.因此,十指的力量,灵敏,速度, 以及千变万化的触键方式和控制能力,是基础之基础.十指的支撑与均匀是初级钢琴训练最基础要求之一.指关节的坚挺而富有 弹性的支撑是处于第一位的至关重要的课题.通常,我们可以长期地,大量地 进行高抬指的训练以达到手指的快速运动;可以尽量小的低指动作来增加手指 持续延绵的内力,这样手指才可能凝聚到最大的力.就手指的技术训练而言,有效的方法有许多.一:弹奏任何五个连续白键.①连奏.A高抬指快速触键,声音结实饱满,有爆发力.B低指触键,触键需快!②断奏.要求弹奏时有力,果断.A手指跳音,以掌或手指第二关节为主的动 作(手指拨轴感觉).B手腕跳音.C肘部跳音,二,将哈农移至所有调上进行 练习,以熟悉所有调式.三,五指范围内的三度双音练习(可参考哈农50条).四,用各种声音,各种触键,各种力度,各种速度练习,以训练手指变化能力.五,一指的穿指训练.其训练方法有以下几种,①按住大指,均匀顺当地将其 他四指中的任何一指弹奏大指左右两边的音.②同上,但大指不按住,作为轴 心配合其他手指在左右两边均匀弹奏.③用大指上行或下行,在二指,三指, 四指之后转弯,配合适当的手腕动作.④用大指与四指或五指在大小五度的音 程转弯,跨度也在四度以上.二, 手腕

手腕处于十分重要的位置,是连接指尖与大臂的桥梁,是大臂向指尖输送 力量的必经途径.手腕必须是坚挺的,不是软弱无力的,否则手腕会下塌,手 臂的力量就会在手腕处消失而达不到指尖.但又必须是富有弹性的,不是僵硬 呆滞的,否则,声音会僵硬,没有弹性,没有变化.手腕的顺活表现在它的动作方式.手腕的动作有三个方向:左右,上下, 周旋,(左右中的一个动作摇动).左右方向的动作主要在于:①用于配合大指 的转弯.在弹奏音阶与琶音时,以及任何其它需要大指转弯的经过句时,一方 面是大指主动地向里作水平状伸展;另一方面,需要适度的手腕左右运动加以 配合.然后,大指需外推出,使整个手掌向外侧转出.同时,手腕必须辅以必

要的,恰当的水平运动.大指与手腕作柔顺的水平动作的配合是手掌转弯的最 重要的关键.②在弹奏连奏句时,手腕则需要作水平运动,以达到力量的转移, 使声音更连贯及歌唱性.3 手腕的上下方向的动作,主要用来弹奏某些轻巧的连续快速的双音,八度, 和弦,以及在需要强化触键深度的时候.在演奏这一类乐句时,手腕完全需要 它本身的爆发力量,以及在极短的时间内以最小的动作幅度将力量最大限度集 中的能力.手腕自身的有控制的颤抖能力越强,肘部,大臂乃至全身放松的可 能也越大.如我们在弹奏平行八度时,手腕要放松,弹八度音的手指要稳固而 不僵硬,不用的手稍稍保持圆形,手腕的动作要灵活自如.手腕的第二种动作方向,是由里向外或由外向里的周旋.这种用手腕“转 圈圈”的动作十分重要,也是很难掌握自如,因为凡是不能用手指直接连接的

远距离音符或同一音型的重复都需要用这种手腕动作恰如其分将这些音符充分 地连续起来.手腕的任何动作必须是坚挺与弹性的结合,支撑与顺活,阳刚与阴柔的结 合,才可能活动灵活平和,收放如意.总之,手腕是钢琴演奏中最重要的发力“中转站”,不能正确地运用手腕必 定使整个演奏呆滞而无生气.三, 大臂

音与音之间的连接,不单单是手指与手指的连接及手腕协同动作的连接,而 应当是发自大臂的连接,不单单在音量响亮或大和弦处要运用大臂,更重要的 是,在最轻弱处,在转弯处,在连贯处都需要运用大臂.大臂的发力在于直接, 发力的直接意味着一种高度集中的放松状态,大臂的用力就是一种以放松为基 础的震动,这种震动需要全身高度协调以达到在极短瞬间发出极大能量,自然 在发力的一瞬间,肩部和臂部的有关肌肉会有一定程度收缩,但决无丝毫僵硬, 同时,在用力前,全身各部位非常放松;用力后也非常放松.大臂的用力可能 速度非常快,时间非常短,非常大,也可能速度相当慢,时间相对长,而且不 仅仅以爆发力的形态,而是以某种“拉压力”的形态存在,用力速度快,爆发 力大,声音趋于明亮成光锐,发力速度慢,“推压的内劲足,声音则趋于深沉或 柔美.因此,应当按照所需要的音色决定大臂运动方向速度及方式.4 四, 身

钢琴演奏是个名副其实的”从头到脚的全身运动“,是全身各部位的高度配 合,协调与统一.演奏钢琴,既要放松又要用力.我们可以引出一个科学的结 论:钢琴演奏在用力上的最大秘密是极度放松中的能量高度集中,或者说,松 弛中的爆发,柔和中的内劲,平缓中的强力.其有三个特点:1,是高度放松, 但保持内力.钢琴演奏的任何动作都必须事先有所准备,这种准备就是放松中 的内力.2,准备时间长,发力时间短.钢琴演奏时的任何动作都需要在一瞬间 完成,不论力量大小,真正发力的时间极短,往往只有几十分之一秒.3,力断 意不断,尽管每次用力的时间十分短促,并且一但用力,立刻要恢复到放松状 态.因此全身动作的协调一致,气息贯通,高度放松,保持内力,充分准备, 集中爆发,迅速放松并再次准备,如此往复,并一直贯穿始终.五, 耳

耳朵的倾听是钢琴演奏全过程中至关重要的中介环节.演奏者对音乐的理 解,设计与双手在键盘上的操作之间,是否能吻合;演奏的实际效果如何进行 改进;用力与指触与钢琴发出实际音响之间如何协调.总之,音乐通过声音而 实现的全部实际效果只有通过耳朵的倾听来鉴别,来协调.练习冥听的最佳途径是在夜深人静之时读谱,或在入睡前躺在床上想谱.”静“是第一条件.外界闹哄哄,各种杂声或其它音乐声都会干扰冥听的效果.无论是读谱还是想谱,都要努力去”听“,要确实地清晰地听到每一个音的质量.冥听第一步是要能够在内心中听到最好的声音;第二步是能够将自己的演奏 与冥听中所听到的声音之间进行协调;第三步是能够听到真正属于自己新的声 音.简言之,第一层次是”树立声音标准“;第二层次是”模仿杰出声音“;第 三层次是”创造新的声音“.耳朵的作用是把外部听觉与内部听觉相统一,因而有特殊的重要的作用.六, 心

钢琴演奏中”心“的概念,包含着情与理两方面的内容.钢琴演奏的情感需 要从心出发,一定要发自内心.同时,钢琴演奏的控制,布局,安排,却又必 须用心去思考.演奏者在演奏时流露出来的热情不应该是矫揉造作的,不应该是虚假的,因 此要用心去体察音乐,使内心的感受与音乐完全融为一体.只有做到这一点, 5 演奏中的热情才会具有生命的价值.我们在演奏时,不能气浮,不能急躁.气浮容易忘谱,性急容易赶节奏,急 躁容易出错,但一定要有热情,激情,唯有平静而不受干扰,又富有激情才能 演奏出完美的乐章.以上六点钢琴技巧的基本论述,我们总的可以把”指“,”腕(小臂)“,”大 臂“,”身“定为钢琴技巧的外功四界,把”耳“,”心"定为内功二界,结合与

利用六界专心如一地演奏,坚持不懈,终年不断,积以时日,我们才能够真正 体会到钢琴带给我们的无限乐趣.所谓钢琴演奏的歌唱性，是指使每个圆润的持续音相互连接而形成的具有明确倾向性的乐句。”学习钢琴要讲求科学的方法，这当然不仅仅包括简单的识谱并弹奏，还要演奏出美妙动听的音乐。今天，中央音乐学院钢琴系李昕老师将从演奏钢琴的专业角度，围绕“技巧、歌唱、音乐三个方面与大家一起谈谈怎样突破钢琴演奏的歌唱性。

钢琴演奏的基本技巧主要包括手指的独立性、手指的均匀能力、快速跑动，在快速的手指运动中，手腕是否平稳，手臂、肩膀的力量是否能自然地放松、是否能在自然的状态下将力量传达到手指尖等；另外，手掌、手心、手指各关节是否能互相协作，把力量支撑好，送到手指尖。基本手指动作的技巧中，最重要的是手指能有一个最自然的状态，而不是把力量紧握在手臂、手腕或者手掌心，因为那样做会使手指运动起来受到限制。这些都属于基本技巧问题。随着学习程度的不断深入，乐曲不论在长度还是弹奏技巧上都会有相应的增加。在我们学习过程中，技巧随处可见。比如在练习曲作品车尔尼的“599、849”中，基本上每一首练习曲都包括单一的或是几个重叠的技术课题，例如其中存在的演奏技巧有音阶式的、琶音式的、回旋音式的、装饰音式的，双三度、连奏、断奏等等；到了车尔尼“299”以后程度的练习曲中，会涉及一些复合型演奏技巧，技巧也会更复杂一些。

另外，钢琴作为一件乐器本身中也存在一种技巧。钢琴的琴键是按照顺序排列的，但是作曲家们写的作品中的音型是各种各样的，所以我们的手指要适应这些跳动的、或远或近距离的音符，包括左右手交叉技巧等等。我们要把作曲家写出的顺序不完全规则的音符严谨地在有节奏、速度的要求下，在顺序规则的琴键上准确地演奏出来，也可以说是钢琴演奏中的一种独特的技巧。

实际上，弹钢琴的最终目的是让听众听到美好的声音，这种让钢琴来发出声音的过程就是我们演奏的过程。传达给观众的声音大致有两种：一种是呆板的、机械的，一种是有变化的赋予歌唱性的。当然我们要追求的是后者。因为这种歌唱性的声音能够在传达给听众后会使听众内心产生某种感受或者音乐的体验，如果没有达到这样的效果，没有激发听众的灵感和想象力，那么这样的演奏就是我们所说的呆板的、单调的。

音乐其实就是等于歌唱。我们在弹奏中可以通过手指的触键来发出一种我们想要的声音，这声音或柔和，或抒情，或喜悦，或悲伤，或是具有一定的美感，人们在聆听到这样的音乐时会有审美感觉在其中，这样的音乐就是赋予歌唱性的。但是，往往有很多钢琴教育中忽视了“歌唱”的重要性。我们要在孩子最开始学习钢琴时就要让他们懂得什么是“歌唱”和怎样去“歌唱”，要强化歌唱性，强化技术要服从音乐的理念。在诸多钢琴文献中，作曲家早已为我们精心构架了通往赋予歌唱性演奏的一条道路，即使在一些有人认为是比较枯燥的练习曲中，我们也可以发现赋予歌唱性的片段，没有一首作品是单纯的为了技术而训练的。技巧，应该是为音乐服务的。

钢琴音乐的实际内涵就是使钢琴发出一种带有歌唱性的声音。这也是前不久我在《突破钢琴演奏的歌唱性》这套教材中课题研究重点。在钢琴演奏中歌唱性尤其重要，它可能会通过我们的手指、内心、感觉这三点合成一起，在演奏中共同表现出来，这种综合性的表现就是有音乐的、有歌唱性的。但往往我们在演奏中很难达到歌唱性，因为钢琴毕竟不像小提琴那样，钢琴是要用手指来敲击键盘来发出声音的，因此这就需要通过手指、手腕合理的动作搭配，来构架合理的乐句。做到了以上这些要求，注重“起点——发展——高点——起点”的乐句阐释过程，歌唱性便会更好的体现出来。

第四篇：关于钢琴演奏基本教学方法初探论文

摘要一门学科、一个专业、对任何需要掌握它的人来说其原理法则是一致的。在钢琴教学中不论你是钢琴专业的学习，还是师范、幼师所学的钢琴课，应该严格掌握钢琴弹奏的基本方法，为学生打好正规而严谨的钢琴基础。

关键词钢琴课弹奏法教学方法

培养学生掌握正确的弹奏方法：

初学者学习识谱，练习坐姿、手型之后，同时训练学生掌握“自然重量弹奏法”即被称只为“吊手腕”，手臂自然下垂，使其力量通过柔韧的手腕与稳固的手指有控制的触键，每弹完一个音，再用大臂带动小臂自然将放松的手腕提起，然后落肘回腕，借下落的自然速度，把重量自然的控制地集中于预定手指指端，手指保持规定形状形成支撑点。

“吊手腕”练习开始时，用长时值、慢速度的音符，目的在于保持手行的前提下，手臂的自然重量和手指的正确站立，在后可动作逐渐加快，动作的幅度逐渐减小，处学者作为起步，这种学习是必须加强的。

关于训练学生手指独立、灵活性的练习

为了培养手指的动作意识，锻炼手指的灵活性、独立性，克服手指相互间的粘连状态，手指尽可能抬高，下键动作、触键方式要迅速、果断、有力，这种练习方法是我们获取技巧的一种方法，并不是应用技巧本身。

单个手指的抬高练习，使每个手指的独立性和灵活性能达到演奏各类练习曲、乐曲对手指独立性的要求，特别是对于无名指（四指）的单个抬高的练习，对于手指的整体灵活性事一个质的飞跃。同时要练习手指整体抬高灵活性的练习，引深到乐曲和练习曲的弹奏之中，使旋律线条的连续性及手指跑起来的速度、力量能达到一个大的提高。钢琴弹奏中的用力和放松时矛盾的统一体，抬指练习的基本步骤是一个手指完成抬高落键之后，抬起第二手指落键而依次进行，要求在第一手指下键同时，完成第二个手指的最佳预备状态下键准备，而手指的准备状态通常是指离键的抬起状态，在弹奏中构成连续性手指交替动作，这是速度与速度有结合地应用。抬指的高度和下键的速度要根据曲目的速度、力度、声音要求进行调整，手指抬起的高度、下键动作的速度与力度成正比，手指动作无论是幅度、速度、力度，都是受掌关节的操纵和控制，因此掌关节应是紧而不僵，松而不软。

关于连奏在乐曲练习曲中的作用

连奏是钢琴演奏中最基本最多见的演奏技巧，使旋律均匀流畅的基本方法。正确地掌握和熟练应用好连奏技法是练好基本功的主要任务之一。

连奏是应用特定的触键与手指交替方法，把两个以上乐音连接起来，构成长和短的乐句，以实现音乐表现的特定要求，连奏的技术主要是“连”，手指交替衔接必须在同一时刻完成，中间物间隔，连奏中的手指交替支点始终附着在琴键上，连奏的动作过程应该是平稳自然谐调连贯的。

在练习连奏的过程中，对于手指交替原则要把握好，注意手指交替把握不好重心控制不牢，未等预备手指下键，落键手指以过早放掉了，动作没有衔接，声音连不起来。预备手指已经落键发音，前一手指滞留不起，容易造成声音的重叠与混浊。以上我们可以把连奏技法概括为，支点的交替、重心的转移、力量的传递。

正确的弹奏方法是通过合理的、适当准确的弹奏动作来体现，良好的技巧发挥方式与生动的音乐表现内容相统一使声音与动作构成一个完整的艺术整体。

第五篇：钢琴演奏中音阶弹奏技巧的探讨

钢琴演奏中音阶弹奏技巧的探讨

作为乐器之王的钢琴，它具有宽广的音域、丰富的色彩，并有同时奏出多重音响的特性。因此，它除了担任独奏外，还可以与其他的乐器合奏、重奏，为乐器、声乐、舞蹈伴奏，由此可见，钢琴在音乐领域里起到了举足轻重的作用，是其他乐器无法替代的。

音阶的练习对演奏的训练是非常重要的，是各种演奏技术的基础，对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中经常会遇到各种音阶式的片段，如果演奏者能非常熟练地弹奏音阶，那么在演奏乐曲时，就可以得心应手。弹音阶，所有手指都能得到练习。十个手指天生的能力不一致，而音阶要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶就会使手指得到平衡发展，并提高控制、运用手指的能力。音阶的弹奏要达到一定的速度，可以训练人的灵活、快速反应的能力。

音阶的练习可以帮助学生熟悉音键的位置。全部音阶，由24个大小调组成。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式、调性。熟悉了音阶，也就熟悉了所有这些调式、调性。在乐曲中，常有音阶或音阶式进行，往往这也是技术难点。平时弹好音阶，为克服乐曲中的难点做好了准备。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹得较快而又均匀，就很难。必须每天认真练习，长期坚持才能弹好。音阶弹奏的水平，是学生技术水平的标志之一。

弹奏音阶的基础，是手指通过五指练习，已经具备了一定的独立性和灵活性。在这个基础上，学会手位移动的正确方法就是弹好音阶。在教学中称它为“转弯”，大指必须转到其他手指下面去弹奏，这是弹好音阶的关键。

学习音阶，右手宜从B大调，左手从降D大调开始，这样大指正好在白键上，其他手指都在黑键上，最符合自然手型，容易掌握。然后右手再学习E、A、D调，左手学降A、降E、降B等调。这样安排是出自对弹奏的科学性和弹奏由易至难的渐进性的考虑。当然也可以用从C大调开始，逐渐增加调号的顺序学习。

一、弹奏音阶的基本要领

以右手C大调音阶为例：

第一，第一个音用将手“落下”去的方法弹出。在速度不是很慢时，第一个音落下去的同时第二个手指就要抬到一定的高度，做好触键准备。

第二，提前准备的原则：假如是用很慢的速度练习，抬指准备可以不与弹前一个音同时，因为停在空中等待会带来多余的用力。但在稍快的速度时，务必在弹前一个音的同时，抬起后一个音该用的手指，及时做好准备。而在很快的速度时，几乎是第一个音一出来，后面的几个手指随之就都做好准备。这时，准备的手指并不抬得很高，但务必在指端与键面之间保持一点距离。

第三，C大调的E到F，是右手3指后接大指而必须移动右手位置的时刻，是弹奏音阶的关键。要领是，在3指弹E的同时，大指已经在手腕的协助下，从掌心下面移动到了F音的上方。到了B和下一个C，即4指到大指时，要领与3指到大指又是一样的。

第四，大指触键可以有手腕的协助，但务必也要有独立的下触动作，不能只靠手腕。

第五，大指触下F的同时，2指就要处于G的上方，刚才斜着的手也要同时正过来。下行时的道理相同，在F到E，即大指后接3指时，一定要在大指弹下F同时，3指已经从大指上面转移到E的上方。大指到4指的连续也同样。

第六，音阶各音的力度、音量要均匀，唯最低音和最高音可稍强调一点，因为这是线条的转折处，要给人一个清楚的印象。

第七，手掌、手腕基本平稳，腕、肘部保持自如感，配合手指的转换，尽可能提供“方便”。

第八，初学音阶，开始先分手练习，以便听清每一个音的质量是否都合格、统一，转移位置是否感觉自如，检查指法是否准确，之后再合手练习。

二、指法正确是弹奏音阶顺利的保证

必须严格地掌握正确的指法：24个大小调左右手都各有七种指法。要通过分析进行归类，这样才不容易忘记。

第一，右手：白键除F大小调外，C、D、E、G、A、B大小调的指法相同。

降A（升g）大小调以及升c、升f小调指法相同。

F、降E、降B各大调与该同名小调指法相同。

降D（升C）与降G（升F）大调与其他各调指法都不同，需逐一记忆。

第二，左手：除B大小调外，C、D、E、F、G、A各白键大小调指法相同。

降D（升C）降A（升g）各大调与该同名小调指法相同。

B、升F（降G）各大调与该同名小调指法相同。

降b与降e小调指法与其他各调都不同，需逐一单记。

以上分析中提到的小调一般对和声小调和旋律小调都适用。但旋律小调有两个例外：左手升g小调与右手升c小调，它们本身的上行与下行指法不一样。

三、音阶弹奏应有一个由易到难、循序渐进的过程

音阶弹得速度快而又力度强，不是短时间练习所能达到的。对于初学者，在速度、力度的要求上，应该有一个循序渐进的过程。一般来说，音阶练习可经过由弱、慢逐渐到强、快。在开始时慢而又弱，是为了找到在最自然、最省力，手腕和手指最协调的状态下，弹出最均匀的音阶，当然不能过慢。无论一个八度还是四个八度，都要作为一个整体去感觉，做到动作有连贯性。只有在连贯性中，才能显示出阶梯的音的序列来。如果速度过慢，每个音停留过长，就会变成一个个孤立的音，动作也会不连贯，还要削弱或失去音的阶梯性的声音形象。

总之，只有正确的提高手指的能力，才能使学生在创造性的技巧训练中感受到音乐的乐趣，感受到钢琴弹奏的快乐，以技巧来带动技术的提高，使学生在有限的技术上运用无限的音乐表现技巧、创造出丰富的音响世界，达到用钢琴表现的目的。