第一篇：形象化教学在声乐教学中的作用(精)

“形象化”教学在声乐教学中的作用

{草塔镇中戴月华} 声乐教学和其他学科一样，都遵循教育的一般规律性按教学原则上讲要遵守、启发式原则等。循序渐进原则，举一反三，因材施教原则、直观性原则等。而声乐教学因其自身的特点，而又和其他学科有着明显的差异性。例如，声乐教学不仅要学生声音有共性。如：高音区轻松，明亮富于头腔共鸣，中音区深厚结实等。而更需要有鲜明的个性。这种个性表现在声音要具备亮丽的色彩，纯正的音质，丰富的感情。而所有这些要求都给声乐教学带来许多值得思考，需要解决的问题：即用什么样的教学手段才能取得良好的歌唱状态，发出比较规范化的声音，才能使学生在学习声乐的进程中，体会到歌唱状态更贴切，更快更有效地学习歌唱，根据近年我本人的声乐教学体验，采用形象化教学法在声乐教学过程中可以得到事半功倍的效果。以下我从两个方面进行分析形象化教学法在声乐教学中的作用。

一、“动作的形象化”在声乐中的作用

当声乐教师刚开始接收学生学习声乐时，第一步应该讲的是使学生有一个正确的歌唱姿态，有了正确的歌唱姿态，才能为学习歌唱状态，发声技巧打下良好的基础，开始强调学生要两眼平视，面部肌肉放松，呈微笑状态或激动状态，两脚重心要稳，感觉自己身材高大，举止大方，而所有这些要求声乐教师不能只是口头讲解出来，更重要的也是最有效的方法是声乐教师要亲自离开琴凳，站出来用一个正确的歌唱姿态做出一个亮相动作，让学生更具体、更直观地认识歌唱时，歌唱状态是怎样的，甚至为了让学生克服歌唱姿态中的坏习惯，声乐教师可以采用夸张性的错误姿态，例如：站立时塌胸，弯腰，眯着眼睛，两面三刀眼无精神，通过这些反向动作会更有效地让学生形成正确的概念，从而使学生歌唱时获得较好的艺术形象，同时，正确的歌唱姿态，又为歌唱状态和发声技巧打下坚实的基础。

众所周知，声乐教学中气息训练是重要的一环，如何使学生在教短的时间内体会到气息状态，运用气息歌唱，摆脱靠嗓子唱的白声，是许多声乐教师必须解决的问题，目前声乐界公认为胸腹联合式呼吸法，是歌唱气息训练中最科学、完备的呼吸法，首先要讲下去吸气，只有吸到足够的气息才能为唱歌提供力量的源泉，为了吸到适合歌唱的气息，目前普遍采用用鼻子吸气法，将气息到腰部，感到腰部向外扩张，头腔胸腔很空洞，很放松，这些要求是理性上的认识，为了使学生更贴切更有效的掌握呼气方法。不妨采用一些具体的吸气动作让学生进行观察和实践。如常讲的花香，教师可以在琴房放一盆鲜花，自己先做示范，用鼻子慢慢将气吸到腰部，感到腰部周围向外慢慢扩开，把这种感觉将给学生，然后学生再闻花香时胸部、头腔和腹肌是一种怎样的状态，通过这种具体形象的吸气动作体验，学生对吸气状态就有一个明朗的概念，就能直感地获得吸气状态并把这种状态有效的运用到歌唱中去。通过吸气训练，气息吸到以后并不是目的，真正目的是要服务于歌唱，吸气是基础，歌唱是目的，接下来就是如何进行呼气，即歌唱发声状态，要呼气就要体会到呼气时各种肌肉组织是怎样一种状态。在理论上将，小腹即收缩造成力量作用于隔即然后再逼迫肺底气息形成气柱直射喉室和歌词结合进行歌唱，而这种理性认识是比较抽象的，也是较难理解的。在讲述呼吸状态时可以借助于一些具体的动作来帮助学生理解呼吸时腰部、小腹的用力状况，这时，教师可以让学生两手用力“抬钢琴”，当学生用力“抬钢琴”的一瞬间，腰部肌肉有一种明显的向外扩涨状态，小腹肌肉向里慢慢收缩。而这种状态恰恰和歌唱呼吸状态一致。还可以让学生两个人手拉手进行拔河比赛，这时两人的用力状态和“抬钢琴”一样，在学生进行拔河时，让他们说出自己的用力状态，教师强调这时的用力状态就是歌唱发出时腹部、腰部的用力状态，这样学生通过具体的教学动作，就能较明显地感到呼吸状态，才能使发出声音具有气息支持，更圆润、更有穿透力，同时正确运用呼吸状态就会减轻口腔过分用力，挤压喉头发出苍白而无力的声音。

有一正确的气息支持以后，歌唱者还需要将喉头打开、放松，不然气息就会憋在胸腔或腹腔不能喷发出去，达不到以气带声的目的，所以喉头放松，内口打开练习也是学习声乐中至关重要的一个环节，在理论上讲歌唱时，喉头要打开，向下放松，口腔要灵活，下巴要放松，而如何体会这种状态，光靠理性的认识是很抽象的，也是很不明显的，这里不妨将生活中常见的动作引用到声乐教学中去，如何采用具体的形象的打哈欠状态去引导学生，我们知道打哈欠是每一个人每天都有的生理现象，只是没有加以深刻的认识和研究，在声乐教学中引入这个具体的动作可以起到事半功倍的效果，因为打哈欠时口腔状态，喉头状态和歌唱所需要产状态是相吻合的，在上课时，教师可以做到一个打哈欠状态，让学生进行观察。首先观察打哈欠时，下巴状态是放松向下的，口腔内部空间放大，喉头有明显的向下动作，学生观察以后，教师可以让学生亲自做打哈欠状态，当学生打哈欠时教师要强调学生在做这一动作时，脑子要想喉头、口腔、下巴是什么样的状态，通过反复练习，学生就较直观地认识到歌唱时，喉头是向下放松打开的，下巴是甩下来，灵活自如的，这样通过很形象的动作，学生就将理性的东西变成自己的亲自感受，通过这种就从不自然的歌唱状态过渡到自然的歌唱状态中去。较快地掌握歌唱技巧。

二、语言形象化在声乐课中的作用

声乐教学主要研究发声状态，评判声音质量，进而引导学生进行正确的歌唱。而声音概念都是比较抽象，比较难于凭借直观来体会的，这就给教学进程增加了难度。如何交抽象的很抽象的很理性的东西转变成浅显易懂的感性认识，是每一个音乐教师都面临的课题，也是急需解决的问题，根据我个人的声乐教学实践，在教学中采用形象化的教学语言，可以起到抛砖引玉的作用，有效的帮助解决声乐教学中所遇到的问题。在声乐教学中声乐教师往往强调声音集中、明亮有穿透力，而不能“散”“空”，在强调这种声音状态时，不妨采用形象的教学语言，例如：声音集中就像树林中早晨太阳的道道霞光，霞光的光束是很有亮色的，同时具有很强的力量，穿过树林，穿过云层，喷发而出，用这样的形象语言去描述霞光然后由霞光引向声音概念，高音区就像霞光一样明亮而有穿透力，当讲述声音不要散时，先用淡淡的云雾来进行描述，散的声音就像漂浮的云雾，没有根基飘摇不定，有这种形象的比喻，形象的语言去引喻声音，学生就会对声音的“集中”“明亮”和“散”有一个鲜明的对比，而在歌唱实践中认真体会，仔细把握，从而达到熟练的歌唱技巧。

在声乐教学过程中，声乐教师强调高声音时气息基础要深，高音是在气息支持发出的，不管高音多么明亮，悠长，都要有深深的气息支点，而这个支持高音的气息支点在声乐教学中，既是重点问题，又是个难点问题，是重点因为气息对歌唱起着至关重要的作用，这一点就不多谈了，难点是因为高音时声音位置很高，而气息支点却要有深深的源泉，这就形成了一对矛盾，对学生而言，有点莫名其妙，文学中可以用“一江春水”来形容无尽的哀愁，声乐教学不妨引用丰富的语言，形象化的比喻来形容，描述声音。例如：高音就像天上的风筝，风筝飞的再高，是由于一条细长的线把风筝连接起来了，唱高音也是这样，没有气息支持的高音是空泛的高音，苍白而无力的高音，气息的支点就像风筝线和线轴一样是高音共鸣的支点，是高音共鸣的源泉，通过这样的比喻，这样的语言描述，学生在演唱高音时，就能体会到高音共鸣和气息支点的相互关系，从而运用到歌唱中去。尽快掌握歌唱技巧。声乐教学中存在着很多理性认识的感念，而这些感念如果能用形象化的语言去夸张，去形容，就将抽象的理论转化成活生生的实例从而有利于学生的理解、掌握。

以上几点看法是我在教学过程中，自觉或不自觉地常运用的手段，写出来点体会，望与前辈和同行共同探索声乐教学之路。目的只有一个，那就是共同提高声乐教学水平！

第二篇：浅谈朗诵在声乐教学中的作用

目 录

一、前言...............................................................1

二、朗诵与声乐辩证关系.................................................1

（一）朗诵与声乐...................................................1

（二）胸腹式呼吸方法对声乐与朗诵的作用.............................1

（三）吐字归音到字正腔圆...........................................2

三、朗诵在声乐教学中的作用.............................................3

（一）朗诵有助于平稳气息...........................................3

（二）朗诵有助于练声...............................................4

（三）朗诵有助于正音...............................................4

（四）朗诵有助于理解作品的内涵.....................................5 参考文献...............................................................5

浅谈朗诵在声乐教学中的作用

一、前言

声乐从古至今就一直流传于世的文人雅士共享的文化，而在声乐中什么最重要呢？不是曲子也不是歌词而是语言，语言又怎么会成为了最重要的灵魂所在之处？从我们了解的声乐上来分析，声乐的表现形式又可以分为两种，一种是声乐演唱，另一种是器乐演唱，顾名思义，器乐演唱就是通过乐器发出一些有节奏律动性较强的声响，来达到让人赏心悦耳的目的，这也是最初声乐产生的所在，而随着器乐的逐渐发展，声乐也由此而产生。相对于器乐演唱而言，声乐演唱有别于器乐演唱单调的弹奏方式，在加入弹奏的同时通过语言来表达了音乐里面特有的情感，舒发了观众的感情，让观众能够更好的体会到歌词其中的含义。然而作为一个专业的声乐者，真正的把感情容入到声乐中，就成了我们的重要问题所在，而怎样才可以帮助我们情感的表达呢？我们就可以通过朗诵来练习，朗诵和声乐共同之处，就在于可以把自己的情感融入其中，并且朗诵也和声乐类一样有一定的律动性。对于声乐专业而言，朗诵也是平时不可或缺的练习。

二、朗诵与声乐辩证关系

（一）朗诵与声乐

有很多著名的歌唱家说过歌唱就是朗诵，要想唱歌好就要朗诵好，而这样的定义从何而来呢？为什么歌唱又和朗诵相似呢？我们不仅会疑问，首先，我们所了解的歌唱和朗诵无疑都是发生在语言的基础上的，语言是人类和一切事物交流情感的最基本的工具，而没有语言就没有声乐。一个好的歌唱者一定要有一个美妙动听的声音，而美妙动听的声音则是可以通过后天的训练练习出来的，平时我们可以通过各种语言来练习发声。同样的无论是声乐还是朗诵都是离不开声音的，所以要想训练出动听的歌声，首先要训练出悦耳的声音。训练出动听的声音就要让我们平时的勤加练习了，控制住自己的声调，把握住自己说话的语速，久而久之，勤加练习养成习惯了就成了自己身体不可剥离所在了。而声乐和朗诵的共鸣之处正在于，朗诵好一篇文章或者诗歌需要在声音上有一定的注意，同时要有感情，有境界的发自内心的才能朗诵好一篇文章，而声乐也是这样，他是朗诵的延伸，只要掌握好情感，掌握好抑扬顿挫，加之节奏的产生就是我们所熟悉的声乐了。

无论是声乐还是朗诵，必不可少的就是声音的练习，一首歌好听不好听完全取决于演唱者的声音能不能产生共鸣，能不能够让观众魂牵梦绕，一篇令人赏心的文章朗诵者的声音无疑也是能不能吸引读者，能不能让文章听起来更加激情回荡的重要所在之处。从上述两点我们可以恰好的帮声乐和朗诵联系在一起，无论是声乐还是朗诵声音都是最为重要的所在之处。那么怎样的声音才能打动人呢？这个就要通过我们平时的练习了，我们可以先练习声音的声线，洪亮清晰悦耳的声线无疑是最让人魂牵梦绕的，我们可以先通过朗诵来练习自己的声线，然后再融入到声乐中来达到可以让声乐更加专业的练习中。

（二）胸腹式呼吸方法对声乐与朗诵的作用

无论是唱歌还是朗诵时的呼吸都是最为重要的，正确的呼吸可以让唱歌和朗诵时的声线更加的顺畅，也可以让听众更加的悦耳，而怎样的呼吸才是最正确的呢？唱歌和朗诵有别于我们日常说话，不是想呼吸就可以呼吸，不想呼吸就可以不呼吸，呼吸的同时也要注意技巧。要想让感情到位，适时的停顿才是最重要的，而作为一个声乐者就在呼吸上就必须讲究技巧了，为了让整个歌曲里感情到位，停顿到位，更有节奏和律动感，在每个字和每个段的呼吸处理上都十分重要，也要到位，这样才不至于让人听上去不舒适，而朗诵和声乐的相似之处也就在于呼吸上面一定要保持该断则断，该不断则不断，在这样的情况下我们一般会选择胸腹式呼吸来调整。朗诵跟声乐比起来也是一样要重点处理说话的呼吸，也要保持该断则断，同时语句的抑扬顿挫也要更加注重，在语速上面我们也要着重控制，轻重的尚好处理无疑是一个专业的朗诵者要掌握的最重要的地方。而怎样可以轻重适中，那么呼吸也就成了就重要之处。胸腹式呼吸无疑是让人发出的声音更加的悦耳，更加的冲击听众的感官。而这样的发声更会让朗诵者和声乐者声音更加浑厚圆润，所以在呼吸上面我们也可以认为两者是相通的。

（三）吐字归音到字正腔圆

无论是唱歌还是朗诵时的呼吸都是最为重要的，正确的呼吸可以让唱歌和朗诵时的声线更加的顺畅，也可以让听众更加的悦耳，而怎样的呼吸才是最正确的呢？唱歌和朗诵有别于我们日常说话，不是想呼吸就可以呼吸，不想呼吸就可以不呼吸，呼吸的同时也要注意技巧。要想让感情到位，适时的停顿才是最重要的，而作为一个声乐者就在呼吸上就必须讲究技巧了，为了让整个歌曲里感情到位，停顿到位，更有节奏和律动感，在每个字和每个段的呼吸处理上都十分重要，也要到位，这样才不至于让人听上去不舒适，而朗诵和声乐的相似之处也就在于呼吸上面一定要保持该断则断，该不断则不断，在这样的情况下我们一般会选择胸腹式呼吸来调整。

朗诵跟声乐比起来也是一样要重点处理说话的呼吸，也要保持该断则断，同时语句的抑扬顿挫也要更加注重，在语速上面我们也要着重控制，轻重的尚好处理无疑是一个专业的朗诵者要掌握的最重要的地方。而怎样可以轻重适中，那么呼吸也就成了就重要之处。胸腹式呼吸无疑是让人发出的声音更加的悦耳，更加的冲击听众的感官。而这样的发声更会让朗诵者和声乐者声音更加浑厚圆润，所以在呼吸上面我们也可以认为两者是相通的。

曾近有著名的音乐家说过，作为一个专业的声乐者，你不仅要有一副好的嗓门同时也要拥有正确的咬字清晰。何为咬字清晰呢？就是要求每一个字都刚好到位，做为一个专业的朗诵者我们深知在全身投入感情以及控制自己呼吸的同时，我们更加的注重的是咬字的练习，要求每个字体都能清楚的表达出来，要求每个字都可以处理得很好。而作为一个专业声乐者，咬字也是相当重要的，而对于声乐者而言，咬字同时也是相当难的，因为有的音符不是一拍也不是两拍，有的甚至是延伸到十几拍，在这样的延伸中，咬字就成了比较难控制的处理之处了，一个专业的声乐者，我们要求一个字无论多长，音上面依然要保持动听圆润，无疑这也是考验一个号的声乐者的重要所在之处。所谓吐字归音，要求不能长也不能短，必须干净利索以此来保持准确。

在中国的传统戏曲中我们也最长听说的就是字正腔圆，而到底什么是字正腔圆呢，延伸到现在又怎样来诠释呢?而真正做到字正腔圆不得不说是一门艺术。中国戏曲是古时候大众消遣的重要方式，而从那个时候开始我们就将就在戏曲的演唱上面要求字正腔圆，而延展到现在，我们也会要求声乐者要做到咬字清晰，一个好的歌曲除了在情感上要赢得观众的认可共鸣以外，另外也要让听众能够明白音乐所要倾诉给观众的内在情感。而内在情感的表达并不是以乐器的形式来产生。之前我们也有说过，相比于乐器而言，语言更能得到听众的认可，所以不论是哪个国家或者哪

个名族而言，我们在学校声乐专业的时候首先会要求练习吐字，首先要求的便是咬字一定要清晰。而要练习好这一点可以通过平时发生练习时去注意这一点。真正做到这一点后就能够保持演唱时的字正腔圆了。

除了咬字以外，我们也要求字音要清晰，因为如果听众都听不清楚你在唱什么，那么又怎么可以吸引到听众呢？一首歌，只有当听众真的听明白你在唱什么以后才可以真正有兴趣的继续听下去。而要做到这一点，我们就可以借助朗诵的技巧来练习了，虽然一个朗诵得好的朗诵者不一定在声乐上能够有很好领域，但是他的声音绝对是可以吸引住听众的。朗诵的最基本功就是让练习者可以真正的利用好唇舌等五官揣摩出如何正确的咬字发音，来做到更加的悦耳。

最后，要想一首歌演唱下来让观者产生震撼，除了会如何吐字以外，既然是唱歌，那么一定要唱得动听。如果你在吐字咬字上声线上都没有问题了，那么接下来你要做的就是让自己全身心的投入到演唱中，真正理解到歌曲里每个字的含义，根据歌词中不同的语句及不同的场景，揣摩出作词作曲家的心境去演唱，那样的演唱一定是最赏心悦目的。一首完美的歌曲一定要让观众听得懂的情况下，能够心有感受，那么歌唱者声线的美感也是至关重要的，简单机械的完成演唱只是把一件事情做完，而要做好一件事情就是让别人能够感受到你的感受，只有这样才是一个成功的音乐者。

那么什么是腔圆呢？所谓腔圆字面上的意思就是口腔一定要圆润。所谓圆润就是要让观者产生共鸣，好的声乐者是能够让人产生共鸣的。发音上面的话我们一定要注意字正腔圆，线条要有美感，不能太生硬，要想做到这些，就要注意吐字发音的方式，找准最适合自己的方式，把自己的声音润色出来，达到有丰富的感情，有味道，有节奏，有高有低这样的表达才可以真正做到圆滑。

无论是传统的歌唱还是新潮的歌唱中，字正腔圆都是相铺相成的，只有做到字正，那么后者才有意义，缺一不可。而在唱歌中，除了音乐以外，歌唱也是相当重要的，只有两者都存在的时候才是歌唱。什么是字正呢?先前也有提过，字正就是一定要咬字清晰，在咬字清晰的同时也一定要深沉次的体会到每个字里行间的真正意义。而腔圆就是在吐字清楚了的情况下，在配合特殊的声线处理，来取悦听众。而声线的处理也是很重要的，一副好的嗓音也是可以通过后天来练习的，控制呼吸，控制舌唇的位子就能很好的改变自己的声线，也可以多通过平时的朗诵来练习这一点。而一首完整的歌曲，有词不行有曲也不行，只有词曲并存的时候才是最完整的。而我们多通过语言练习来理解词语中的含义，更好的来诠释歌曲的含义。为什么歌曲我们一定要用普通话来唱呢？主要是为了让听众能够听懂，听明白歌曲内容在伴以美妙的声音让观众难忘。通过上述的分析，我们不难发现声乐和朗诵是息息相关的。

三、朗诵在声乐教学中的作用

（一）朗诵有助于平稳气息

先前有提到过，正确的唱歌方式是胸腹式呼吸法来演唱。但是这样的方法对于初期学习声乐者而言又是比较艰难的，因为所谓胸腹呼吸就是深呼吸，我们很多声乐者会发现，平时说话很轻松也没有什么呼吸困难，说话断断续续的征兆，但是唱歌的时候就容易出现气短，接不上的征兆，那是因为我们在正常说话的时候保持了我们身体的本质，要我们遵循身体呼吸的自然原则。而声乐要求我们做到深进浅出，这就和我们自己的身体机能背道而驰了，所以学习声乐初期才会觉得很难。学习声

乐要想更好的运用到胸腹呼吸，最好的方式是可以通过朗诵来练习，因为朗诵的时候我们也会发现，一个专业的朗诵者也是通过胸腹式呼吸来打到朗诵的效果的。在很多专业老师的带领下，不少老师建议学生可以把朗诵的感觉带到唱歌中，在唱歌之前可以先朗诵一首歌曲，然后再演唱这首歌曲，以这样的模式来达到效果。因为相对于唱歌，朗诵更加接近我们平时的说话，而只有让唱歌像说话那般自然才可以真正做到胸腹呼吸法，才可以让声乐更加打动人心。经常做到这样的练习就可以正在让我们领虐到唱歌的精髓。

（二）朗诵有助于练声

为什么朗诵有助于练声呢?因为专业的声乐者一定要让自己的声腔和身体产生共鸣。而很多初学者达不到这一点，总会发生打不开喉咙，及时唱得出来也达不到最好的效果。而就算打开了喉咙也感觉是被迫打开，很偏离身体自我意识的感觉。而怎样可以让身体能够自主的控制呢?就像我们呼吸一样完全让我们产生自然的习惯不仅成了最重要的问题。平时我们可以多利用朗诵来达到这样的效果。之前也有说过，朗诵和唱歌有很多共鸣之处，无论是在呼吸还是在声线，还是在吐字上面都有很多相似之处。而要让身体和声腔共鸣朗诵也无疑成了最好的练习工具。这样的练习可以充分让我们不少声乐者摒弃了一打开喉咙就发不出声一发出声就有可能打不开喉咙的问题。朗诵时的声音相对于声乐更加简单，只是教为平时说话上面做了相应的处理和声线的延长，特别是大声朗读的时候，我们可以看到，口型和声线都和唱歌无异，而在朗诵时却能完全避免唱歌时呼吸不足还有声线短促的这些缺陷，同时也能让声音更加的悦耳动听。用朗诵的方式去唱歌，可以让我们的声音更加的自然，也可以让听众更加的觉得赏心悦耳。而只有真正的正确的运用好唱腔才可以真正的让身体产生共鸣，转换自如的唱腔，能使歌唱者更加的让观众留言往返。歌唱真正意义上就是一种运动，身体，呼吸，发声各个方面的运动，只有运动做到全身上下的完美协调才能做到最好的声乐。所以平时我们更应该加强朗诵的练习以有助于我们在声乐上的更好发展。

（三）朗诵有助于正音

当身体和声腔产生了共鸣以后，我们算是做为一个专业的声乐者更近一步了，但是这样还不全然。之前也有提过，一副好的嗓音固然是上天赐予声乐者最好的馈赠，但是如果仅仅是拥有一副好的嗓音，但是你却没有一个好的咬字的发声的话，那么依然是失败的。一个好的声乐者一定要注重词语的重要性。一个观众如果只是觉得曲子好听，那么他可能会听一遍两遍，但是如果是歌词自身的内容打动了听众的话那可能就是一辈子，就像很多70年代的老歌星一样，到现如今依然有很多歌曲被我们世代所流传。真正的字正腔圆就是要求吐字清晰，让观众真的听明白了才能领会其中的含义。所以，清晰的咬字是成为一个专业声乐的重要所在。怎样能够做到呢，那么在声乐上我们要做到收放自如，在唱歌的时候，也要做到重快准，因而，有一个完美的声线必不可少，同样要做到能够真正理解字里行间的真正内容，把所有至关重要的技巧都结合在一起是必不可少的。

怎样才能把歌词传递给观众，怎样才能让观众真正的感受到歌词里的含义，怎样能够感动观众才是精髓所在。我们可以通过朗诵来提高咬字的技巧，之前有提过，朗诵和声乐有很多共同之处，想让唱歌唱得好，练习朗诵时必不可少的。而朗诵最关键的地方就是练习咬字和吐字的关键所在，但是因为朗诵和平时的呼吸差不多，没有太大的背离身体的本能意识，所以练习朗诵比练习声乐简单得多。在这样的情况下，我们会选择通过练习朗诵来练习声乐。所谓咬字就是要做到把字唱得流动有

灵性，要咬住但是却不能太死板，不能让字里面的音符发生变化，但是要完全做到这点却不得不通过勤奋的练习，而朗诵就和唱歌一样，如果唱歌只是把每个字唱出来，把停顿的地方停顿好，保证自己的声线，那么这样的唱腔是不能得到听众的认可的，除了这些以外，还要着重于情感的投入，注重歌词的律动。怎样的朗诵者才是最优秀的，那么就是除了注重抑扬顿挫，感情的投入以外，他们会更加注重每个字的声调起伏和每个段落的口气，以及每个地方的轻重缓急，唱歌就如朗诵一样，只有把这些都做到了，那就能够成为一个优秀的声乐者。

（四）朗诵有助于理解作品的内涵

从古至今，声乐和朗诵都是文人雅士乐不思蜀的兴趣爱好，而至今，当声乐和朗诵已成为很多专业人士能够在自己领域闯出一片天气的衡量所在。声乐是什么呢？对于声乐初学者而言可能还会有疑问，其实声乐就是把音乐和文学完美的结合在一起，你中有我，我中有你。当音乐和文学融入在一起，互相补充，才能真正的发挥其重要性。而怎样才可以真正的把声乐的特性发挥出来，我们又不得不一一探讨。要想把音乐和文学融汇到一起，首先我们必须在演唱之前先理解文学的含义，理解出想表达的真正意境，理解作品的主题思想，领悟到它最真实的情感所在，体味到其他的韵味之处，同时还应该分辨出不同曲子的不同艺术手法，从而让自己更好的认识到作品的同时让自己能够更好的演绎出来。只有真正的体会到了作品本身并且诠释到了作品的真正含义才可以更好的演绎作品。只有这样的表达才能够把文学与声乐相结合充分的表达出来。而要想真正的体会到歌曲的精髓所在，朗诵则是最佳的工具，因为朗诵可以真正把文学中的情感表达出来，能更加正确的抓住作品的内涵。古代文人雅士总喜欢反复吟诵一篇诗词，那是因为在多次吟诵以后才能够真正体会到其中的含义，也能体会到文章所要表达的感情所在之处。所以要想抓住音乐的精髓，我们也可以通过反复吟诵歌次来达到效果，来帮组我们了解歌曲里的含义，体会到作品的音乐灵魂。而在朗诵的同时，还能渐渐唤起我们唱歌时领略不到的地方，让我们能够根据更加全面的诠释歌词里的含义让自己能够选择更加适合表达歌曲的方式及声音特性，完全达到说唱全部融为一体。

经过上述多个层面的分析，我们也可以从中看出朗诵和声乐的多处共同之处，无论是声线还是在呼吸上，还是在咬字上面，同时我们也可以发现对于一个声乐者而言，朗诵对声乐存在潜移默化中也有着相当重要的意义所在之处，对于声乐者而言，要想真正的做到专业，那么要让声乐和朗诵中融会贯通，收放自如，只有这样可能够真正诠释到声乐的精髓所在之处。

参考文献

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第三篇：情感体验教学在声乐教学中的作用论文

摘要：音乐不仅是听觉艺术，还是情感艺术，因为在众多艺术形式当中，音乐在情感表现方面最为直接和丰富。特别在声乐教学实践当中，教师加强对学生的情感体验教学，能够有效提升学习声乐技巧掌握水平，丰富学生音乐感知力，完善学生音乐素养。在积极推进高师声乐教学改革进程中，教师要加强对情感体验教学的关注，明确其在声乐教学中发挥的积极作用，并立足高师声乐教育实际以及学生的能力发展要求提出推进情感体验教学的策略，在升华学生情感体验的同时提高声乐教学质量。

关键词：情感体验；高师；声乐教学；作用

情感体验教学是一种强调以情感感悟为核心的教学模式，通过对学生进行情感体验教学，可以增强学生对声乐作品的理解以及把握能力，使得他们在二度创作时有更加细腻深入的表现，与此同时，情感体验教学可以让学生对作品人物形象的认识更加深刻，引起学生在情感和情绪的共鸣，促进学生情感的升华。高师声乐教学要特别关注情感体验教学，明确其在教学实践当中发挥的积极作用，在此基础之上结合教学实际提出情感体验教学实践方法，为优秀高师人才的培养打下基础。

一、情感体验教学在高师声乐教学中的作用

（一）落实素质教育宗旨

长时间以来，高师在音乐教育方面始终秉持的是素质教育的宗旨，而这一宗旨也是我国中长期教育当中秉持的根本原则。在高师音乐教育发展当中，特别提倡的就是要丰富学生情感体验，进而推动学生音乐素养的提升，为学生音乐综合素质的发展打下坚实基础。由此可见，情感体验教学在高师声乐教学中的实践是落实素质教育宗旨的体现，更是完善学生音乐综合素质必不可少的条件。所以，在高师声乐教学实践中，教师除了要训练学生声乐技能之外，还要在教学过程当中加强师生的情感体验与感悟，除了要强调音乐作品当中蕴含的情感美之外，还要让学生自身产生深刻的情感体验，全面增强学生的声乐学习兴趣，挖掘他们的音乐潜能，最终促进学生音乐创作创新能力以及综合素质的发展。

（二）提高学生演唱技巧

就高师声乐教学而言，很多教师对于教育重点的认识存在较大的分歧，部分教师认为应该将声音技巧训练放在教学首位，也有教师认为应该把情感体验教学放在第一位。两种观点存在着明显差别，但是都认识到声乐教学应该包括两个部分的内容，那就是技巧以及情感教学。如何确定教育核心成为了影响学生学习质量和效率的关键因素。就目前而言，高师声乐教学当中接触的学生通常不具备稍微完善的音乐专业素质，那么在声乐教学当中就必须客观分析当前的教学现状，转变过去陈旧的教育模式，逐步纠正单一关注声乐技巧而忽视情感培养的观点。情感体验教学是促进学生演唱技巧提升的关键要素，这是因为情感体验教学可以让学生接触大量的声乐作品，并从中进行细细感受与情感品位，能够增强他们的音乐感悟力，进而提升学生演唱技巧。

（三）培养学生情意素质

情感体验教学是高师声乐教育质量提升的关键，除了有助于提升学生演唱技巧之外，还有利于学生情意素质的培养。情意素质包括了思维、兴趣、情感、毅力等多个方面，而这些素质在学生的未来人生发展当中都发挥着重要作用。当代社会讲求的是要培养人的情商，因为情商在个人发展当中发挥的作用是不可估量的。那么在高师声乐教学中，教师要加强对学生的情感体验教学，调动学生的积极情感，培养学生良好的情意素质，从而促进学生情商的提升。在声乐课堂上，学生聆听以及演唱多种多样的声乐作品，并切实让自己进入到音乐形象中，将作品的情感与学生个人的情感融合起来，之后用歌声以及表演表现出来。整个过程是学生强化情感体验的过程，也是发展情意素质的过程。

二、情感体验教学在高师声乐教学中的实践方法

（一）创设情感体验情境

在声乐教学当中流传的一句话就是声音存在着只能意会不可言传的特点，也就是说，利用言传的方法只可以让学生获得一定理解，无法提高学生理解的深度和广度。尤其是在体会音乐作品的感觉方面，依靠言传的方法是无法讲解清楚的，于是要通过创设情感体验情境的方法促使学生主动的进行情感意会和审美体验。创设情感情境的方法能够在课堂教学的开端部分就酝酿出和教学内容有关的情绪，从而激发学生的情感需要，也将学生真正引入到音乐作品的情境当中。如果学生被实际情景或者虚拟情景感染，会自然而然的唤起情感因素。比方说，生动形象和优美的教学语言，就是激起学生良好情感体验的有效途径。教师可以在声乐教学当中应用趣味盎然的表述方法，精辟的分析以及合理的点拨，让学生的情绪得到感染，调动学生的思维，叩击学生的心灵，让学生在音乐世界当中尽情遨游。除此以外，教师还可以借助钢琴伴奏的方法为学生创设情感体验情景，调动学生的积极情感。

（二）提升节奏把握能力

节奏这音乐符号特体主框架，节奏和声音都无法脱离演唱，而且节奏会贯穿在每一部声乐作品当中。在高师声乐教学中，如果教师想要分析学生在演唱当中出现的问题，一般情况下能够在节奏方面发现原因。比方说节奏不统一、节奏松弛度不佳、节奏呼吸不准确等。就节奏本身特点而言，声乐作品当中的节奏必须严格准确，但是节奏也不能够是机械性的，这是因为节奏是，音乐表现的核心要素，音乐是在不断传递情感，且富有勃勃生机的艺术形式，要想让音乐形象以及音乐情感得到强化，就必须将突破口放在节奏把握方面。所以，提高学生的节奏把握能力以及理解能力，能够让学生在情感情绪等方面受到良好启发，使得学生能够深层次的感悟音乐作品当中蕴含的情感美与艺术美，让学生领悟到音乐作品创造的意境。例如，《乌苏里船歌》这部声乐作品的节奏音型具备浓郁民族风韵和清新格调，将天人合一的传统美学思想体现的淋漓尽致，而又进一步证明了节奏在帮助学生体验作品情感方面的巨大作用。

（三）加强情感体验引导

教师在高师声乐教学当中的指导作用是不可缺少的，这是因为高师学生的情感体验经历较少，在实际学习当中往往不能够深层次的挖掘作品情感。此时教师在这其中发挥的作用就显得尤为重要，要发挥好引导作用，引导学生逐步深入的获得情感体验。第一，引导学生用情眼观察周围世界。正所谓百闻不如一见，只有当学生亲眼观察周围的世界，才会获得更为直接和深入的认识，由此引发的情感也会变得更加丰富鲜活。虽然学生的主要学习任务是学习，但是在读圣贤书的同时，还需要了解窗外事，带有一定的责任意识用情眼看周围世界，观察自然以及社会现象，从而让人生的情感体验得到增加。在经过了情感体验积累后，学生在声乐学习当中才会调动自己的积极情感，与作品产生共鸣。第二，引导学生用情心感悟生活。生活是收获丰富情感体验的重要场所，带着一颗情心感悟生活能够让学生获得更加丰富的生活素材，体会到更加细腻真挚的情感。这样学生可以将从生活当中获得的一些情感感悟运用到自己的演唱当中，在二度创作当中加入个人思想和认识，这样才能够将音声乐作品演绎得真挚感人，提升艺术感染力。

三、结语

情感体验教学在高师声乐教学实践中占有举足轻重的地位，在落实高师教育目标方面发挥着重要作用。通过在高师声乐教学当中加强情感体验教学，有助于落实教育宗旨，提高学生演唱技巧，促进学生情以素质的发展，进而完善学生的音乐综合素质。声乐教师在教学实践中要注意革新自身的教育观念，加强对学生情感体验与启发，通过创设情感体验情景，提升学生节奏把握能力以及，加强学生情感体验引导等方法让学生的情感综合素质得到发展。

[参考文献]

[1]陈丽.情感体验在民族声乐歌唱中的作用[J].大舞台,2015,09:105-106.[2]熊伟.情感表现和审美想象在声乐演唱中的作用[J].黄河之声,2016,01:28-29.[3]许静哲.民族声乐演唱中的情感体验[J].黄河之声,2016,08:105.

第四篇：多媒体技术在声乐教学中的运用及作用

多媒体技术在声乐教学中的运用及作用

摘 要：在声乐教学中运用多媒体技术，已成为当今音乐教学研究和发展的热点。它有利于学生对歌唱状态、咬字、吐字、音准的改进和修正，还能够对学生的音乐感觉和舞台表演能力进行很好的培养，并以其特有的形象直现性和应用交互性为学生提供了全新的声乐学习方式。通过运用多媒体技术，能够实现图片、音频以及视频互相结合的新型教学模式，从而代替传统声乐教学当中的唱听教学模式，显著改善学生对于抽象声乐知识的感受。本文就多媒体技术在声乐教学中的运用及作用进行探讨。

关键词：多媒体技术；声乐教学；作用；运用

一、多媒体技术在声乐教学中应用的必要性

首先，能够将抽象的音乐具体化。将多媒体技术应用到高校声乐课堂教学中，能够将抽象的音乐具体化，学生便能够对各种乐器产生的音乐作品中表达的感情有更加深刻的认识，实现声乐教学理论和实践的有效结合。其次，能够提升学生的学习兴趣。多媒体技术是集声音、图片于一体的、形象的教学手段，在高校声乐教?W中学生只需要利用多媒体，便能够对作品进行欣赏和创作。同时，学生还可以通过多媒体教学进行查漏补缺，对于在课堂中掌握不扎实的知识进行复习，不需要教师再进行讲解，既节省了教师的时间，也提升了学生的自主学习能力。再次，多媒体技术提高了课堂教学效率。媒体教学的最大优势在于能够为教师节省大量的板书时间，教师可以利用课外时间提前做好课件，课堂上教师只需对教学内容进行播放学生便能对本堂课的知识点一目了然。多媒体教学的另一个优势作用是教师不需要花费大量的时间进行歌词的记忆，可以将更多的时间用来研究教学手段，大大提升了教师的教学效率。

二、多媒体技术在声乐教学中的积极作用

第一，提高声乐教学的延续性。传统声乐教学缺乏足够的延续性，在课堂教学结束之后，学生凭借各自的记忆练习，很容易忘记课堂教学当中得到的正确感觉。要是能将上课录音以及录像拷贝给学生，就能够有效改善课堂教学的延续性，学生也能够根据课堂上的正确声音状态进行练习，从而将自身作为参照，巩固加强理想的歌唱状态并合理把握乐曲处理方式。第二，将风格音乐纳入声乐教学当中。传统声乐教学过程当中主要内容为钢琴伴奏，既有合理的一面，也有其不足的一面。多媒体技术的运用能够提前做好歌曲伴奏，并且强调节奏与风格，让学生可以树立比较强烈的风格观念以及节奏观念，改善他们的歌曲表达水平。除此之外，多媒体技术的运用还可以将多声音乐教学纳入到声乐小课课堂教学，让学生在演唱学习的过程当中同时进行多声演唱训练。第三，提高声乐大课的可行途径。随着高校的不断扩招，音乐专业的学生数量逐渐增多，部分学校开始实行多人同时上课的授课方法，使得每个学生的教学时间显著减少，教师授课的内容也遭到压缩，出现教学质量下降的问题。

三、多媒体技术在声乐教学中的具体运用

1.更新观念，构建新型音乐教学模式。现代教育信息技术不仅为教育革新提供了先进的手段，更促使我们重新深刻地认识音乐教育的含义，有利于音乐教育工作者构建培养学生创新能力的新型教学模式。多媒体集文字、图像、动画、声音为一体，信息量大，转换灵活，为声乐教学提供了便利的条件。利用多媒体技术将钢琴弹奏的练声曲，制作成配上管弦乐队效果的曲子给学生练声，不仅改变了以往单纯钢琴伴奏的单调，更多的是使学生想歌唱的激情在这种练声的过程中越练越高，到进入歌唱部分时，必然会收到意想不到的好效果。利用多媒体技术，把歌唱训练时喉部肌体的运动状态、气息流动的方向、发声的过程和技巧，制作成三维动画，运用计算机模拟图形技术可将重点部位放大、放慢。这就形成了一种把想象变为形象、把抽象变为具体、图文并茂、声像俱佳、动静皆宜的表现形式。

2.增添课堂趣味性，激发学生兴趣，模拟实践情境。多媒体技术在高校声乐教学中的运用，改变了过去传统的声乐教学手段，激发了学生的学习兴趣，同时也为课堂增添了趣味性。多媒体教学的最大优势是积极地将抽象转变成直观化的教学，能够将教学内容生动、直观地展现在学生面前，便于学生更好地进行模仿，进而掌握准确的发音规则。多媒体教学在激发学生学习兴趣方面主要表现在：首先，多媒体利用其丰富的画面、精彩的视频吸引了大部分学生的注意力；其次，多媒体技术能够让更多的学生参与到课堂活动中来，端正了学生的学习态度，提高了学生的认识，激发了学生的学习兴趣，从而提升了学生的学习效率。舞台模拟环节是声乐实践教学的重要环节。在高校声乐教学过程中教师不仅要注重提升学生的听觉训练，还要锻炼学生具备良好的舞台实践能力，充分调动学生学习的积极性，让学生真正体会到声乐作品中的美，从而提升自身的综合能力，提升学生应对舞台的实际能力。

3.突出教学特色，丰富形式。在运用多媒体进行教学的过程中要注意突出声乐教学的特色，由于声乐教学注重培养的是学生的发生技巧、音符、节奏等问题，因此，在实际的教学过程中教师可以将琴键、节奏韵律等内容通过生动、直观地多媒体表现出来，这样不仅丰富了教学手段，还给学生提供了形象的教学过程，既体现出了声乐的特色，也丰富了教学的形势。多媒体技术是一种综合化极强的现代化科学技术，以多媒体技术改革传统的教学方法，教学归根结底是人的交流，应以人为本，着重于教师素质的提高和学生能力的培养。声乐教学就是要传授如何把最好的歌唱方法和最好的表演结合起来，以表现出歌唱的最佳艺术效果。将多媒体技术教学和声乐教学融入在一起，能通过光盘资料的播放，让学生通过图片的形式正确的了解每个声部的特色，从而更好地调动学生的学习积极意识。

4.录制并分析学生的唱歌过程。人们可以很容易地找出别人演唱时的各种毛病，可让他们听出自己唱歌的毛病，却并不是件容易的事。使用多媒体声音监视器软件把学生的唱段录制下来，放给他听，让他自己像挑别人毛病那样找自己的缺点，会对老师的指教有更深刻的理解，改正缺点也就能更准确。这种录制和分析可以逐句，也可以全程进行；对重点和难点，可以反复进行，还可以把唱得好的与不好的比照进行；通过软件显示的音频的高低、音量的大小，老师能定量分析出学生的最佳状态，学生能及时地抓住这一时刻的最佳感觉。无论是对教还是对学，这种应用都会有很大帮助。

参考文献：

[1]刘莎莎.也谈声乐教学中多媒体技术的运用[J].音乐时空，2016.09

[2]郭俪雅.多媒体技术在声乐教学中的运用探索[J].中国音乐，2016.09

[3]齐莹莹.试析多媒体技术与高校声乐教学的整合[J].中国信息技术教育，2015，（04）

第五篇：意大利古典艺术歌曲在声乐教学中的作用

意大利古典艺术歌曲在声乐教学中的作用

一、意大利古典艺术歌曲的历史地位

意大利古典艺术歌曲是指17世纪初到18世纪中期意大利作曲家创作的优秀的声乐作品。意大利是美声唱法的发源地，早在十七世纪意大利的著名歌唱家卡契尼就已经形成了一套完整的声乐教学体系。美声唱法并不追求宏大的音量,更多的是追求优美、抒情的音质。当时美声学派的箴言是追求音质音量自然会有的。这是美声唱法的美学原则和艺术思想的具体体现。我国声乐教育家赵梅伯在《唱歌的艺术》一书中曾说：从歌剧诞生以来的十七、十八世纪意大利歌曲，它的内容反映了当时先进的思想，在声乐创作技术上亦有可供借鉴之处，而在风格的纯正和表现古典美方面更是无与伦比的。它们是发展美好音质，学习真正美声唱法过程中必不可少的经典，是全世界声乐教学普遍采用的好教材。的确如此，意大利古典艺术歌曲直到现在仍被世界各国的音乐院校当做初学声乐者的必修教材，它在声乐教学中的作用可见一斑。

二、意大利古典艺术歌曲的教学作用

（一）意大利语的发音特点有利于声乐学习

声乐艺术是以音乐与语言相结合来表达思想感情的,古今中外的作曲家都是按照本国的语言及语音的特征来谱曲的。而美声学派的形成与发展，也与它的母语意大利语有着密切的关系，意大利语几乎所有词都是以元音结尾或重复的辅音结尾，子音与母音连接比较流畅，字母的位置明确；在发音上平正、圆润、清晰，语感均匀；在时值上有延长发音的特点，即使一个很长的单词，最后一个元音与前面的所有元音同样清楚。这些都会让初学者的喉部舒适自如地打开，为发声带来有利的因素。正如《卡鲁索的发声方法》一书中所说意大利语是自然位置的语言，是声音训练的基础。对于歌唱者来说，母音唱得好，音就能唱得好；子音唱得好，字就能唱得生动，掌握吐字、咬字的基本功是来自于母音的规范训练。可见，能否掌握好意大利语的准确发音将直接影响歌唱者的音质和歌唱的状态。

（二）表情术语的掌握可以培养学生多方面的能力

1.对音量强弱的要求有助于训练学生运用和控制气息的能力。用气息来调节声音的渐强或渐弱，是美声学派在训练音量变化上的最基本要求。意大利古典艺术歌曲出现在十七世纪初，这一时期美声学派特别注重对音的渐强或渐弱的练习，换句话说，是训练歌唱者的声音控制和驾驭能力。因为控制声音的渐强或渐弱，不是用喉咙或喉部肌肉的挤压、用力做出来的，而是靠呼吸支持来控制音量变化的。更通俗的来讲，在控制声音的渐强或渐弱时，歌唱者的喉咙和口腔的动作要保持在吸气和母音的初始状态。总之，意大利古典艺术歌曲不追求音量，而是以良好的音质作为衡量声音好坏的标准。这对于学习美声唱法的人来说，仍然具有非常重要的作用。

2.对速度、力度和表情术语的要求有助于培养学生把握作品音乐形象的能力。这一时期的音乐作品更多的是表现精神上、内在思想上的音乐品格。那么，抓住作品的速度、力度和表情术语才能真正抓住作品的主题思想，才能恰如其分的表现作品的音乐形象。

意大利古典艺术歌曲多采用对比较明显的阶梯式力度来表现内心的情感。如歌曲《多么幸福能赞美你》中p-mf-f和《阿玛丽莉》结尾p-pp-ppp的运用，无不体现这种阶梯式的力度。《阿玛丽莉》中的各种表情记号及力度变化,特别是最后几小节,在气息的支持下,将声音控制到p-pp-ppp的部分,堪称是声音与气息力度控制的楷模之作。这首歌曲节奏平稳，曲式规整。在教学中我们可以让学生听一些歌唱家的音响资料，增加感性认识。当然，在学习初期最好先从模仿开始，在演唱时让学生通过对阿玛丽莉一次比一次深情的呼唤，表现出对主人公的爱。在舒缓优美的钢琴伴奏下，充分调动起学生的情感，使学生在演唱时尽可能地做到身临其境、真实感人。

（三）旋律多在中声区有助于学生打下坚实的基础

意大利古典艺术歌曲的音域不宽，一般在两个八度以内，跳动幅度也不是很大，几乎不用滑音，非常的规范，而且不论男女声部都可以按相应的音高进行训练，非常适合初学声乐的人练习基本功。